Los cuatro jinetes de la historia del arte

Es evidente que en HC Historia Contemporánea existe gran admiración por historiadores como Eric Hobsbawm u otros cuyo nombre es más famoso dentro de los círculos de Clío. No obstante, en esta entrada hablaremos de teóricos e intelectuales que han puesto a la práctica de la historia del arte en un terreno más profesional y sistemático.

¿ Qué es y para qué sirve la historia del arte?

Primeramente, es menester preguntarnos el objetivo de esta disciplina ya que es bien conocido que es considerada por algunos algo completamente secundario o incluso irrelevante. Así que, ¿qué es y para qué sirve?

Como historiadora del arte puedo decir que el principal propósito de la Historia del Arte es todavía la construcción de explicaciones, el porqué de objetos con valor artístico que se perciben  a través del sentido de la vista. En ese tenor, desde el siglo XIX, esta disciplina se ocupó de la causalidad del objeto de estudio. 

¿Qué quiere decir esto último? se refiere a que se buscan las circunstancias por las cuáles una pieza artística es tomada como tal y cuáles fueron los procesos histórico-estéticos que confluyeron para llegar a ese resultado. Dicho de una forma más poética: es la investigación de los objetos bellos y las razones por las cuáles son así percibidos.

¿Cómo se logra esto?  con apoyo de métodos de análisis y sobretodo con suficiente calidad y cantidad de información para ofrecer una argumentación e interpretación convincente sobre el objeto que se investiga. Para eso, varios teóricos han desarrollado diferentes acercamientos a las piezas artísticas, y hoy presentaremos cuatro de ellos.

PETER BURKE (1937)

Es un historiador inglés cuya especialización radica en la historia cultural de la edad moderna y contemporánea. Uno de los grandes aportes que realizó fue la renovación del método historiográfico (la historia de la historia). También si uno quiere entender mejor las relaciones sociales de la Italia renacentista, definitivamente es a Burke a quién hay que leer. Además hizo un enlace entre la historia, la antropología y la sociología, de ahí que su trabajo se enfoque en la función social del lenguaje y las imágenes.

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Peter Burke

ERNST GOMBRICH (1909-2001)

Sin duda, estamos hablando del rey del estudio de la historia del arte. Es gracias a sus estudios de la historia del arte occidental y sus reflexiones hacia la teoría artística que su nombre llegará rápidamente a cualquier estudiante de primer semestre. Hablando de técnicas de investigación, Gombrich mezcló la psicología experimental con la fenomenología para estudiar los procesos y objetos artísticos. Una de sus particularidades como historiador, es su carácter divulgativo y belleza de sus textos, lo que también de forma paradoja lo ha hecho centro de las críticas de la academia debido a su aparente parcialidad.

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Gombrich con su esposa Ilse Heller

ABY WARBURG (1866-1929)

Este historiador alemán es fundamental para entender la historia del arte. Fundador de la Biblioteca de Estudios Culturales de Warburg, desarrolló trabajos interesantes enfocados al estudio del paganismo en el Renacimiento. Sin embargo, no se redujo solo a esto, sino que su proyecto más conocido es el Atlas Mnemosyne, (en honor a la diosa griega de la memoria) el cual es un estudio de todas las imágenes del arte occidental hasta su contemporaneidad creando en ese sentido el primer museo digital. Pueden consultar este atlas aquí.

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Atlas Mnemosyne

 

ERWIN PANOFSKY (1892-1968)

Panofsky fue un historiador del arte y ensayista alemán, exiliado en Estados Unidos. Es conocido por sus estudios sobre iconografía e iconología que a grandes rasgos se enfoca en la interpretación de una obra artística tomando en cuenta lo representado en la misma. No obstante, también se le reconoce por las monografías realizadas de artistas como Durero o Tiziano además de arte funerario. En cuanto a la iconografía, creó un método para describir y analizar una pieza con base en la observación y reconocimiento del tema expresado.

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Erwin Panofksy

Evidentemente existen numerosos acercamientos filosóficos y teóricos con respecto al estudio tanto del arte como de su historia. No obstante, para cualquiera que desee iniciarse en esta área del saber, debe recordar los nombres de estos intelectuales para comenzar alguna lectura introductoria.

– Momo

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¿Por qué ver el #Snydercut es apoyar al arte?

Primero aclaremos una cosa: no soy fan de las películas de superhéroes. Con esto no quiero decir que considere que este tipo de producciones son inferiores en comparación con obras de cine de autor, ni que fuera yo Martin Scorsese. Simplemente no es el género que consumo habitualmente, en gran medida porque percibo – erróneamente ahora que lo pienso – que estos filmes van dirigidos exclusivamente a un público infantil.

No obstante, todo cambió cuando conocí a mi novio. Desde que empezamos a salir, he visto más películas de las franquicias Marvel y DC de las que hubiese querido en realidad, pero bueno, una de novia se pone complaciente. Fue entonces que di con el nombre de Zack Snyder.

Snyder entró en la conversación cuando fuimos a ver la película de Aquaman en el 2018. Quitando mi estupor por el actor Jason Momoa, lo que más me llamó la atención fue que por fin alguien le había dado algo de dignidad al personaje marino. Seamos sinceros, nadie quería ser Aquaman, sino, pregúntenle a Sheldon Cooper. Lo que Zack hizo se reduce solamente a otorgarle una personalidad en toda regla y considero que esa decisión fue en gran medida la fórmula de su éxito.

Con la debida asesoría de mi experto favorito, revisé su filmografía , la cual abarcaba desde una visión cruda y decadente del superhéroe con Watchmen (2009) hasta la creación de un «camino del guerrero» con Man of Steel (2013). En resumen, el trabajo de este director consta en la construcción y problematización de la figura del héroe, además de un desarrollo contemporáneo del género épico o la epopeya. ¿Estoy comparando al Superman de Snyder con el Odiseo de Homero o Eneas de Virgilio? Sí, ¿y qué?

Después me topé con la tendencia del #Releasethesnydercut en Twitter y busqué exhaustivamente y en vano porque no entendí ni jota. ¿Qué hice? le pregunté a mi novio y creo que su explicación es concisa, precisa y maciza.

Aquí los detalles:

Warner Bros. quiso hacer un universo fílmico y querían a Christopher Nolan, el cual les dijo que no, por lo que recomendó a Zack Snyder y Nolan apoyó con Man of Steel.

Aunque no le fue mal, querían más dinero. Así que Warner presionó a Zack para no hacer Man of Steel II y hacer Batman vs. Superman, la cual fue titulada como Batman vs. Superman: Dawn of Justice, porque querían que sirviera de base para armar la Liga de la Justicia.

Hizo casi todo lo que pidió el estudio, excepto la parte de la duración y el tono, porque quería hacer algo distinto a Marvel y su comedia y modo más «jocoso». Entonces, aunque la Warner aprobó la cinta, decidieron quitarle media hora para ganar más taquilla. Esto demostró ser un grave error, porque esa media hora explica mucho de la trama por la cual hubo quejas. Dato: Superman pelea en un lado deshabitado, porque la gente se quejó que en Man of Steel moría mucha gente. (WTF)

Las críticas fueron despiadadas y Warner pensaba que obtendrían mil millones de dólares, pero no fue así, por lo que destrozaron el plan de películas que había, donde se hablaba de que Justice League sería en dos partes, aunadas a películas por separado de Cyborg y Flash.

Snyder se concentró en hacer Justice League y todo iba bien, pero su hija Autumn Snyder se suicidó y él pues trató de concentrarse más en la cinta. Obvio, esto pasó factura y junto con la presión de Warner y unos de los directivos, decidió hacerse a un lado y atender a su familia.

Ojo: la cinta ya estaba virtualmente terminada, pues había estado trabajando a la par en BvS y Justice League, por lo que los actores ya estaban bastante a gusto con Zack. Al momento de irse, contrataron a Josh Wheedon, el director de las primera dos películas de Avengers, para terminar el trabajo. Al hacer esto, el presupuesto ya era de 275 millones de dólares-según Warner- por lo que extendieron otros 25 para que terminara y reescribiera la cinta. Por eso tiene más «comedia» y una historia bastante distinta. Aunado a que tuvo que meterle mucho dinero a ocultar el bigote de Henry Cavill.

La versión de Wheedon fue un desastre, pero casi en el primer minuto surgió el movimiento #Releasethesnydercut que nunca dejó de insistir en que se lanzara la versión que tenía Snyder en mente. El director compartió a través de sus redes múltiples montajes y fotos de su visión, siendo una constante que cada que lo hiciera, se relanzaran los hashtags. De hecho, Jason Momoa fue uno de los más insistentes en lograrlo.

A finales del año 2020, At&T logró que esto se materializara para que se lanzara Zack Snyder’s Justice League, otorgándole entre 40-70 millones de dólares para pulir su versión fílmica y grabar otras escenas-como la de Knightmare al final – siendo un triunfo de los fanáticos y del director por conservar su visión.

Actualmente existe el movimiento #RestoreTheSnyderVerse donde los fans demandan a Warner seguir con la visión de Snyder y presentarnos la historia que sigue al final de Justice League.

¿Ven porqué lo amo? Creo que no es necesario mencionar que en cuanto salió Justice League de Zack Snyder el 18 de marzo del 2021 la vimos (incluso alcanzamos la «oferta» de $60 pesos en Amazon Prime) y nos sumergimos en un «momento íntimo» de cuatro horas de esta epopeya contemporánea.

No voy a decir si esta versión es mejor que la del 2017 o no, como dije antes, mi dominio no cubre este género. Sin embargo, puedo hablar desde una perspectiva que sí me compete: la producción artística vs. los objetivos comerciales de las empresas. De hecho si quieres, puedes leer un artículo por aquí que escribí respecto a ese tema.

Zack Snyder apostaba por la creación artística, Warner Bros. por una fórmula multimillonaria como la de Marvel. El director exploraba las particularidades emocionales y contextuales de sus personajes, Warner quería una producción de standuperos con super poderes. Ojo, no estoy diciendo que esté mal ganar dinero con el arte (Dios me libre de algún día decir eso), lo que sí es cuestionable es hasta qué punto es válido romper una propuesta creativa con tal de ganar un par de millones más.

Pensamientos Finales

Justice League de Zack Snyder es una celebración. Se celebra el triunfo de la creatividad sobre la producción en serie. Con esta situación, se hizo más evidente que Warner Bros. no es una fábrica de latas de sopa, sino una empresa de cine y el cine cuenta historias, propone nuevas perspectivas, construye relaciones a través de un lenguaje específico y, por supuesto, también gana dinero.

Probablemente para ti, querido lector, $299 pesos es un precio excesivo para la renta de una película por 48 horas. Empero, si lo piensas detenidamente, ¿cuánto gastabas en ir al cine?

Además de que es un producto cultural original e innovador en su ramo, con esta minúscula acción le estarás diciendo a la Warner Bros. – y de paso a las demás productoras – que tú como público no eres pasivo y no estás dispuesto a pagar algo que no consideres que es de calidad. Las fórmulas de éxito en el entretenimiento pueden ser efectivas pero no deben ser el único recurso para convencer al espectador a hacer una compra.

Hazles saber que tú también estas en el juego del arte.

-Momo

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¿Por qué no podemos comprar un Pollock?

A menos que seas Elon Musk o Jeff Bezos, o en su versión mexicana Carlos Slim, es poco probable que en tu vida como simple mortal puedas adquirir alguna pieza de la autoría del pintor estadounidense Jackson Pollock. Según registros recientes, la obra más onerosa que podemos encontrar fue adquirida en 2006 por un precio de 140 millones de dólares y usualmente dentro del mercado del arte, los precios no tienden a bajar.

Es posible que en este momento de tu lectura te estés haciendo la gran pregunta: ¿quién carajos es Jackson Pollock y porque alguien pagaría tanto dinero por algo que hizo?  En este artículo, mencionaré algunos aspectos de la vida y obra del artista y, como siempre, dejaré que mi querido lector se responda críticamente.

Con pose de chico malo

Un artista que no sabía dibujar

Paul Jackson Pollock nació en Cody, Wyoming el 28 de enero de 1912. Fue hijo de granjeros pero gracias a los constantes viajes de su padre que era agrimensor del gobierno, Pollock tuvo contacto con diversas expresiones artísticas de los pueblos nativos estadounidenses. Esto desembocó que en 1930 viajara a Nueva York para matricularse en el Art Students League of New York y fue uno de los primeros pasos para construir la carrera y fama de la cual goza, incluso muerto.

Lo más interesante de todo esto es que a pesar de tener una formación e interés por las artes plásticas, Pollock no sabía dibujar o al menos no contaba con la habilidad y educación suficiente. No obstante, esto no fue impedimento para que buscara influencias y nuevas tendencias. Por ejemplo el muralismo mexicano, siendo José Clemente Orozco y David Alfaro Siqueiros referentes importantes para el artista estadounidense.

George Cox, David Alfaro Siqueiros y Pollock

Hombre creador, vale por dos

A partir de 1947,Pollock fue dejando de lado toda composición figurativa para adentrarse primordialmente en la abstracción. Si bien ya hemos comentado que Wassily Kandinsky estaba por los mismos terrenos en ese período, Jackson definitivamente le otorgó un diferenciador.

Para entender mejor su trabajo, existen dos conceptos clave: action-painting y dripping. El primer término refiere a una perspectiva creativa que consiste literalmente «pintar con todo el cuerpo.» El artista y la obra se encuentran en una especie de ritual en la que el acto de pintar se vuelve un canal de expresión del estado emocional del pintor. En cuanto al dripping, se refiere a esta técnica del «goteo» del pincel sobre el lienzo. Es por esta razón por la cual Pollock es retratado con su obra en el piso y caminando sobre ella, ya que es la mejor posición para esta forma de pintar.

Sumando todo esto, dio como resultado el expresionismo abstracto. Considerado como el primer movimiento estadounidense, catapultó a la ciudad de Nueva York como la nueva capital artística, eclipsando a París. Por lo tanto, Pollock ahora se convertiría en un líder de opinión para los jóvenes artistas y muchos seguirían su camino de las vanguardias.

Pollock trabajando

Cuidado con quién te mira y quién te compra

Lo cierto es que Jackson Pollock no ocuparía el lugar que tiene ahora si no se hubiera relacionado con las personas correctas. Entre 1942 y 1943, la coleccionista de arte Peggy Guggenheim recibió varias recomendaciones por parte de otros artistas sobre el trabajo del pintor del dripping. La sugerencia que dio en el clavo fue la del neoplasticista Piet Mondrian. Gracias a esto, Peggy le otorgó el privilegio de pagarle un estipendio mensual (algo así como un Patron de los 40´s) que le permitió vivir prácticamente de la pintura. Además de la creación de una de las obras más relevantes de su carrera, como lo fue «Mural» en 1943.

También la prensa hizo lo suyo. En 1949, la revista LIFE publicó un artículo pregonando a Pollock como «el mayor pintor americano de la historia.» Con esto, el éxito ya estaba asegurado. Simplemente su obra Número 11 fue vendida en 1973 por 2 millones de dólares, convirtiéndose en la pintura más cara pagada en una subasta de la época. Actualmente su valor está estimado en aproximadamente 200 millones de dólares. 

«Mural», 1943, Museo Guggenheim Bilbao

Como Pollock, no hay dos

Obviamente, el expresionismo abstracto (y Pollock en específico) no se salvó del escrutinio de la mirada conservadora del mundo del arte; mucho menos ahora que se pagaban exorbitantes cantidades de billetes verdes por sus producciones. Pollock fue acusado de ser nada menos que un autómata y que su obra sólo era producto del azar, por tanto, era completamente imitable.

Sin embargo, en 2015 el profesor del Departamento de Matemáticas y Ciencias de la Computación de la Universidad Tecnológica Lawrence de Michigan (EEUU) Lior Shamir diseñó un software capaz de dividir una obra de arte en fractales con el objetivo de asegurar la autenticidad del mismo.

Haciendo pruebas en las obras del expresionista, arroja como resultado que no existe azar en sus composiciones. Por el contrario, se confirma la validez de patrones y diferencias que sólo los números y los programas computacionales son capaces de percibir. Lamentablemente nuestra limitada visión hace que las piezas de Pollock sean unas de las más falsificadas dentro del mercado del arte. 

Probablemente hasta este punto sea difícil validar el porqué un Pollock sea algo inalcanzable de adquirir para nuestros modestos bolsillos. La mayoría de las veces el mercado del arte se rige por normas que poco tienen que ver con estudios o apreciación artística o estética. El hecho de marcara un estilo diferente, que su mecenas fuera una importante coleccionista, que sus obras sean subversivas pero al mismo tiempo razonadas, son sólo algunos puntos que podrían esclarecer este misterio.

Lo que sí es cierto es que Jackson Pollock en sí mismo es una figura sumamente interesante y pieza clave para entender no sólo la evolución del arte en Estados Unidos, sino también el pensamiento cultural y social de este país. Así que… ¡a seguir ahorrando!

-Momo

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Los cinco momentos de Wassily Kandinsky

«Toda obra de arte es hija de su tiempo y madre de nuestros sentimientos.»

Wassily Kandinsky, De lo espiritual en el arte 

 

Rusia nos ha dejado grandes atribuciones de las cuáles agradecer como el vodka, la montaña rusa (chiste) y por supuesto, relevantes figuras del arte como es Wassily Vasilyevich Kandinsky, pionero del arte abstracto en Occidente. Para quien no lo conozca, puede revisar la exposición que el Museo de Guggenheim de Bilbao tiene sobre este artista en el 2020.

Si bien ya es de varios conocido el nombre de Hilma af Kint como la verdadera iniciadora del estilo abstracto, lo cierto es que la fama de  Kandinsky radica en su mezcla de la tradición de las comunidades indígenas rusas con las nuevas vanguardias, su desapego político y el gusto que tuvo su obra en el mercado americano y parisino.

Contar la historia de Kandinsky es también relatar la evolución del estado figurativo del arte hacia una introspección sobre el color, la forma y sus implicaciones cognitivas en el espectador.

Para conocer cómo logró esto, aquí te presento los cinco momentos de Wassily Kandinsky:

1.- Un artista tardío

Para el arte no hay edad, y Kandinsky es ejemplo claro de ello. Inicialmente su formación rondaba en el terreno de las leyes, hasta que en 1889 realizó un viaje a la región de Vólogda para estudiar el estilo de vida de la comunidad komi-ziriana.

Desde los coloridos paisajes, hasta la particular forma de sus artesanías y la espiritualidad que coexistía dentro de ellas, convenció a Wassily para dejar la abogacía (en 1896, casi a sus treinta años) y dedicarse de lleno a este camino de búsqueda de lo «interno» del arte plástico.

 

Wassily Vasilyevich Kandinsky (1866 – 1944) Moonlight night (Noche de luna), 1907 Xilografía en papel de color 21.4 x 19 cm The State Tretyakov Gallery, Moscú

2.- El color cómo forma de expresión

Una vez encontrada su vocación, Kandinsky decidió instruirse en la pintura, asistiendo a la ciudad de Múnich ya que era la capital de educación artística en Europa, por lo menos en el siglo XX. No obstante, su estancia no fue larga ya que tenía conflictos con sus profesores pues los consideraba bastante estrictos y ellos pensaban que su paleta de colores era «exuberante», por no decir chillona.

De tal suerte que el artista ruso decidió formarse de manera autodidacta y llevó un estilo de vida nómada, lo que marcó profundamente la temática y estilo de su obra. Sus constantes viajes no sólo fueron una fuente de inspiración para la producción pictórica de los paisajes naturales, sino que también le permitieron acercarse y asimilar las últimas tendencias plásticas de los más importantes
centros artísticos de Europa.

Wassily Vasilyevich Kandinsky (1866 – 1944) Murnau, 1908 Óleo sobre cartón 33 x 44.3 cm The State Tretyakov Gallery, Moscú

 

3.- De lo espiritual en el arte 

De lo espiritual en el arte es uno de los dos libros que Kandinsky escribió para concretar sus teorías artísticas y postulados estéticos. El libro es un sumario de sus ideas y experiencias de su primera década como pintor, durante su estancia en Múnich, por lo que el libro fue escrito originalmente en
alemán y se publicó en diciembre de 1911.

El libro contiene las teorías del pintor ruso en torno al color, las formas, los efectos psicológicos del arte y sus ideas para realizar un nuevo tipo de arte abstracto, todo ello asentó su lenguaje pictórico hasta la década de los veinte.

Kandinsky formuló un escrito esquemático el cual pretendía encontrar un equilibrio entre un nuevo tipo de arte que fuese racional pero sentimental. No sólo incluyó, dentro sentó sus postulados, teorías de color y psicoanálisis sino también una concepción mítica del arte por medio del ocultismo y la teosofía.

Wassily Vasilyevich Kandinsky (1866 – 1944) Über das Geistige in der Kunst (De lo espiritual en el arte), 1912 Libro impreso en fotograbado a partir de Xilografía 24 x 19.5 x 1.8 cm Metropolitan Museum of Art, Nueva York

4.- Descubriendo la sinestesia

Al estallar la Primera Guerra Mundial en 1914, Kandinsky se vio obligado a huir de Alemania y partir a su natal Moscú, luego de veinte años de ausencia. A pesar de estas dificultades, su retorno a Rusia le permitió materializar un viejo anhelo pictórico: capturar con su pincel los paisajes policromáticos de Moscú. La acuarela y el dibujo se convirtieron en medios importantes para continuar su búsqueda en el terreno de la abstracción.

Es en este regreso a su país cuando tiene contacto con la música de Wagner, Schiabin y Schönberg con los cuáles incorporará las cualidades de la música en sus piezas. El pintor poseía una característica cerebral muy particular: la sinestesia. La cual consiste en el despertar de dos o más sentido con un sólo estímulo, de tal suerte que las personas sinestésicas pueden ver colores al escuchar música o degustar un cuadro al óleo. Kandinsky profundizó en este terreno sensorial para llevar a cabo sus famosas «Composiciones» abstractas que lo llevaron a la fama. 

Wassily Vasilyevich Kandinsky (1866 – 1944) Firebird (Pájaro de fuego), 1916 Acuarela y tinta india sobre papel 51.5 x 61.5 cm The Pushkin State Museum of Fine Arts

 

5.- Profesor de la Abstracción

A inicios de la década de los veinte, Kandinsky recibió una invitación para trabajar en la Bauhaus, escuela fundada en 1919. Durante este periodo, escribió una serie de artículos teóricos y didácticos como fundamento del arte abstracto. Uno de ellos, Punto y línea sobre el plano, publicado en 1926, se convirtió en la base para sus labores artísticas, científicas y pedagógicas. El trabajo de Kandinsky en este periodo dio continuidad a los postulados de la teosofía, y a partir de ello recurrió al tema de espacio exterior como el orden absoluto del universo; creó una abstracción geométrica basada en un nuevo lenguaje pictórico predominantemente formal. 

Durante sus días en la Bauhaus, Kandinsky, produjo más de 200 notas escritas a mano relacionadas a sus clases. Dichas notas fueron realizadas entre 1925 y 1933, las cuales contienen apuntes de literatura, teorías pedagógicas, esquemas y estudios de formas y colores.

Frecuentemente, el artista empleaba abreviaturas en sus notas, las cuales son una constante en las que se tienen presentes en la exposición: G. es gelb (amarillo), R. es rot (rojo), B. es blau (azul), W. es warm (cálido), K. es kalt (frío), etc.

Wassily Vasilyevich Kandinsky (1869 – 1944) Kleine Welten I (Pequeños Mundos I) [Ilustración de portafolio], 1922 Litografía en color sobre papel 35.5 x 27.8 cm Centre Georges Pompidou
 

En las piezas de este artista ruso no veremos nada más que a él, su búsqueda espiritual, su necesidad interior. Ahora, acerca de su relevancia en la historia del arte, eso es algo que ustedes mismos tendrán, ahora que me leyeron, que responderse. 

-Momo

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Los cinco momentos de Adolfo Best Maugard

Cuando pensamos en los movimientos artísticos mexicanos del siglo XX, surgen nombres de sobra conocidos como Rivera, Siqueiros, Orozco o Kahlo, incluso personajes no tan prominentes como María Izquierdo o Ángel Zárraga disfrutan de una mayor fama que otros agentes culturales que fueron claves para el desarrollo plástico por el cuál nuestro país es valorado. Uno de ellos fue Adolfo Best Maugard que, aunque el nombre no nos dé pista de eso, es más mexicano que el chile.

Artista plástico, estudioso del dibujo, profesor de arte, director de cine, camarógrafo, escritor, pensador y promotor de la cultura mexicana, son algunas de las áreas en las que Best Maugard no sólo incursionó, sino también destacó y estableció tendencia en la nueva pedagogía artística.

Tomaría bastante tiempo ( y caracteres) para describir todas las facetas de este artista, por lo que he decidido presentarlo en cinco momentos emblemáticos que experimentó durante su carrera. Una probada, antes del plato principal.

Un caballero defensor de lo mexicano hacia el mundo

Best Maugard, conocido por sus amigos como «Fito Best», pertenecía a la élite favorecida por el gobierno porfirista y era descendiente de raíces inglesas y francesas. Probablemente a causa del hartazgo de ver a Europa como modelo de belleza y civilización, Adolfo buscó incansablemente apropiarse de «lo mexicano» y promoverlo en escenarios internacionales a través de sus múltiples contactos.

Ejemplo de ello fue su participación con la bailarina rusa Anna Pavlova para la realización de su Fantasía Mexicana, una serie corta de bailes folklóricos en la que el Jarabe Tapatío tiene un participación central. Best Maugard diseñó los decorados y vestuarios además de intercambiar ideas con la bailarina para su performance.

El resultado fue una estremecedora presentación en el Teatro Abreu el 25 de enero de 1919 y causó fascinación entre los espectadores. La bailarina mexicana Josefina Lavalle, comentó acerca de este acontecimiento:

«Cuando Madame Pavlova bailó nuestro Jarabe Tapatío en punta, nos hizo dar cuenta, a todos los que estábamos en la audiencia, de cuán elegantes y bellos pueden ser los bailes populares de nuestro país.»

Retrato de Anna Pavlova, por Best Maugard. 1925

Un promotor de la inversión extranjera a través de la palabra

Una de las relaciones más fructíferas que Best Maugard cosechó fue la que tuvo con la periodista estadounidense Katherine Anne Porter. En sus múltiples viajes a México, tuvo contacto con los artistas de la época, entre ellos Fito Best, el cual había desarrollado un método artístico basado en el uso de antiguos diseños aztecas encontrados en templos, orfebrería, cerámica, etc. compilándolo todo en un libro titulado Método Best. 

Esto inspiró a Porter a realizar un ensayo fotográfico para la Magazine of Mexico (de la cual era directora general) encabezado como «Mexican Artists Interprets Mexico» el cual tenía el objetivo de incentivar la inversión extranjera por parte de empresas norteamericanas hacia México. En este proyeto se muestran escenas costumbristas, fotos de barrios ampliamente conocidos, retratos tanto de burgueses como proletarios e imágenes consideradas típicas como un niño con sombrero o un jinete vestido de charro.

Imágenes de «Mexican Artist Interprets Mexico.» por Katherine Anne Porter, 1921

Aportaciones al vocabulario de las artes y la vida cotidiana

Best Maugard perteneció a un momento de transición entre el mundo análogo y la modernidad. En la primera mitad del siglo XX, el eje del arte hacia Europa como centro de la expresión artística, poco a poco fue perdiendo protagonismo y ahora el territorio americano tenía la atención de los creadores.

Esto alentó a Maugard a conformar un nuevo estilo de dibujo basado en los diseños prehispánicos y las artes populares mexicanas que también derivó en un método pedagógico. Método de dibujo. Tradición, resurgimiento y evolución del arte mexicano, resultó ser la propuesta oficial no sólo para aprender a dibujar, sino también para aprender a ver. Construyó un alfabeto visual de siete elementos extraídos de las raíces mesoamericanas, las cuáles él consideraba como «la génesis del dibujo mexicano.» La constante práctica de estos símbolos, daba oportunidad al dibujante de ir avanzando en complejidad y ver sus creaciones tanto en papel como en objetos de uso común como muebles o juguetes.

Los siete elementos del método del dibujo de Best Maugard y sus combinaciones. 1989

Censor de la imagen hablada: el cine

Nuestro querido Fito Best no limitó su trabajo solamente a las artes plásticas, sino que tuvo interesantes incursiones en el mundo cinematográfico. Su primera colaboración relevante fue al convertirse en censor de la película de Sergei Eisenstei, ¡Qué viva México! posición que le permitió ayudar al director ruso a retratar con mayor fiabilidad cultural algunas de las escenas y costumbres del territorio mexicano, además de aportar nuevas perspectivas compositivas gracias a sus fotografías y la participación de otros artistas como el muralista Roberto Montenegro.

Dicha experiencia lo motivó a en 1933 crear su primer documental Humanidad que lo hace debutar como cineasta. El tema principal era retratar la gestualidad de los individuos y de ser posible, divulgar las actividades de beneficencia por parte del gobierno. Fue recibido con gran clamor y elogios como los externados por el pensador Manuel Rodríguez Lozano:

Es una película mexicana en la que Best cuaja verdaderos trozos de belleza sin sofisticar, sin ese sentido de falsedad y convencionalismo que generalmente tienen las películas norteamericanas.

Cartel de la película «¡Qué viva México!», 1930

Filosofía a través del retrato

Posterior a su trabajo cinematográfico, Best Maugard regresa a la pintura de caballete pero con el firme objetivo de plasmar su pensamiento filosófico mediante la realización de retratos. Se dedicó a inmortalizar a personajes emblemáticos de la sociedad mexicana como el Dr. Atl, la actriz Dolores del Río o al caudillo Emiliano Zapata.

No obstante estos no son retratos naturalistas, son rostros que miran de frente apelando así a la mirada del espectador, acompañados de un fondo neutro que hace alusión a la espiral del tiempo, elemento teosófico que marcará pauta en los próximos años de su carrera. Sus pinturas pretenden con esos ojos enormes, «mirar lo no mirado», lo trascendente e inmaterial tanto del que observa como del observado.

Dolores del Río posando junto a su retrato hecho por Best Maugard. 1954

Como vimos hasta ahora, Adolfo Best Maugard fue un admirador de lo que él consideraba «Lo mexicano» y se dedicó a promoverlo por lo que es posible que el imaginario extranjero acerca de México sea en gran medida gracias a él. En un momento histórico donde todos veían a Estados Unidos como la nueva potencia artística, hubo un hombre que apostó por la sensibilidad, colorido y riqueza de la cultura mexicana, tanto así que desarrolló un nuevo lenguaje universal a partir de las raíces particulares de una región.

– Momo

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Arte electrónico, más allá del ordenador personal

Historia de los Banquetes

El arte no es entretenimiento

Arte electrónico, más allá del ordenador personal

Cuando pensamos en arte contemporáneo nos pueden llegar imágenes perturbadoras como una lata llena de mierda o una caja de zapatos vacía. No obstante, «lo contemporáneo» también ha incluido a toda esta era digital y desarrollo electrónico mediante el uso de las computadores y el internet a sus discursos sociales y reflexivos. El principal resultado de estas combinaciones es el arte electrónico.

¿Qué es el arte electrónico?

El género del arte electrónico es bastante voluble ya que abarca diversas disciplinas como el arte digital, net-art, arte interactivo, videoarte entre otros, pero básicamente se refiere a las expresiones plásticas o audiovisuales que incorporan los nuevos medios en sus técnicas o en el mecanismo de la pieza.

Hay algunos críticos como el galerista alemán Wolf Lieser, autor de libros como Digital Art (2009), The World of Digital Art (2010), que sugieren definiciones como: obras artísticas que utilizan las posibilidades del ordenador y de internet con un resultado que no sería alcanzado en otros medios.

Esto no quiere decir que el arte electrónico se reduzca a piezas que sólo utilicen una computadora, ya que para lograrlas se requieren varios conocimientos de conceptualización, programación y un gran equipo multidisciplinario. No se trata de hacer imágenes con Photoshop o Paint, sino que mediante las nuevas tecnologías se lleven a cabo diversas reflexiones sobre sí mismas o la influencia de lo electrónico con lo natural y lo humano.

Surgen, por ejemplo, nuevas corrientes como el bioarte o los movimientos cyborg o cyberpunk que pretenden dialogar con los nuevos medios electrónicos y la condición orgánica y social de los seres humanos. Las relaciones políticas, de poder, comerciales y existenciales se ponen en novedosas perspectivas gracias a los avances tecnológicos

¿Quién hace arte electrónico?

A continuación enlisto cinco artistas relevantes dentro del género de arte electrónico cuyos trabajos han sido parte de ferias y festivales internacionales como el Ars Electronica Festival

RALF BAECKER

Ralf es un artista alemán que trabaja sobre las conexiones entre el arte, la ciencia y la tecnología. Sus principales obras son instalaciones y máquinas en dónde explora los mecanismos fundamentales de los nuevos medios. Ofrece una mirada poética a las superficies responsables de la creación visual. Entiende la tecnología no como una herramienta sino como un instrumento epistemiológico que ayuda a colocar preguntas elementales acerca del mundo mediante impresiones tecnológicas.

Una de sus obras recientes es Putting the Pieces Back Together Again, la cual es una instalación compuesto de 1250 mini motores que mueven varias piezas blancas creando un sistema autoorganizado.

ROBERTINA ŠEBJANIC

Robertina es una creadora eslovena cuya investigación se concentra en las realidades culturales, (bio) políticas, químicas y biológicas de los ambientes acuáticos. Sus ideas son a menudo realizadas en conjunto con otros de tal suerte que logra una integración interdisciplinaria de su trabajo con lo real.

Los terrenos en los que trabaja son los de los sistemas vivos (bioarte) y arte sonoro. Una de sus obras recientes y más reconocidas es Aurelia 1 +Hz / proto viva generator en donde aborda las posibilidades de convivencia entre animales y máquinas. En lugar de que una inteligencia artificial le dé vida a un mecanismo, es el ser vivo quien lo hace.

RAFAEL LOZANO HEMMER

Rafael es un artista mexicano que radica en Montreal, Canadá. Su trabajo lo define como una intersección entre la arquitectura y el performance. Luces robóticas, redes computarizadas, fuentes digitales, etc. son sólo algunos de los nuevos medios que utiliza para generar interacción con el espectador.

Una de sus obras más controversiales y de corte social dentro de su repertorio es la pieza Border Tuner, la cual consistió en conectar a varias personas que se encontraban en la frontera México – EU mediante «puentes de luz» que eran controlados por las voces de los espectadores participantes en Ciudad Juárez y El Paso, Texas.

MICHAEL CANDY

Michael es un artista sudafricano que radica en Australia. El trabajo de Candy, hace uso de las tecnologías para crear sistemas que hablen de la sociedad y ecología. Es un artista en toda regla pero se considera más como un inventor autodidacta que busca involucrar lo análogo con lo digital.

Para una muestra de su obra tenemos a Cryptid que es una escultura de luz que usa complejos sistemas de robótica para encender bulbos de neón. Funciona como un autómata con tecnología del siglo XXI.

STERLAC

Stelios Arcadiou, mejor conocido como Sterlac es un performancero de Chipre que viaja dentro de los terrenos del body art, transhumanismo y lo cyborg. Es mediante su cuerpo, que comunica su discurso sobre lo biológico y tecnológico, ya que es conocido por hacerse diversas intervenciones quirúrgicas con las cuáles añade miembros prostáticos que rayan en lo perturbador.

Una de las piezas que más causó revuelo es la llamada Tercera oreja, en la que Sterlac se implantó quirurgicamente una oreja cultivada con células en su brazo izquierdo.

Sin duda, el arte electrónico va mucho más allá de lo que puedes hacer con la computadora y un editor de fotos. Se trata de ser disruptivo en las concepciones de lo natural, lo artificial, lo humano y lo robótico.

Sueñen con ovejas eléctricas, historiadores.

– Momo

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Historia de los Banquetes

Los cuatro jinetes de la historia del arte

Historia de los Banquetes

Los mexicanos somos conocidos por armar fiestas por cualquier situación, circunstancia o acontecimiento imaginable. Sin embargo, no somos los únicos con alma de parrenderos o al menos esa característica ha prevalecido a lo largo de la historia y en todas las civilizaciones.  En este artículo veremos de manera general cuál ha sido la evolución de los banquetes, fiestas, guateques, mitotes, etc.

El primer banquete

Según estudios recientes por parte de los antropólogos, el banquete más antiguo de la historia data de 12,000 años a.C y se encuentra en una cueva llamada «Hilazon Tachtit» en la ciudad de Galilea, Israel. Según las investigaciones de la revista Proceedings of the National Academy of Science, el espacio servía como lugar de enterramiento y se hallaron caparazones de más de 60 tortugas y restos de ganado salvaje. Concluyeron que la cueva pertenecía a la comunidad Natufia, la cual contó con la particularidad de celebrar rituales especiales para conmemorar el entierro de sus muertos.

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Cueva Hilazon Tachtit

Antiguo Egipto

Como una civilización que basó sus conocimientos y cultura en la preparación para el otro mundo, la nobleza egipcia preparaba sus cámaras funerarias con todo lo que fuese a necesitar el difunto una vez que estuviera en el más allá. Eso incluye a la alimentación, de tal suerte que se tenía por costumbre llenar las tumbas con comestibles y utensilios de cocina, además de cubrir las paredes con registros de cómo cocinar ciertos platillos y presentarlos.

En este caso era una mujer, la anfitriona, la encargada de presidir y organizar los banquetes que se suscitaban entre la nobleza egipcia. Sus funciones consistían en elegir el menú, supervisar cada detalle y traer el entretenimiento como música y preciosas bailarinas.

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Comida en el Antiguo Egipto

Antigua Grecia

La antigua Grecia consideraba los banquetes más que un espacio para consumir alimentos, sino también para el estímulo filosófico. Así es como crearon el «Symposium» en el que después de comer pasteles, quesos, frutas y demás delicias para picar, se dedicaban a hablar de lo divino y lo humano.

En cuanto a la mesa, no se hacía alguna distinción de rango en la colocación de lugares aunque los invitados de honor podían disfrutar de una porción más grande que el resto de los convidados. Usualmente, antes de iniciar la comida, se realizaba una “libación”, la cual consiste en un derrame de vino caliente o aceite ritual en el altar del dios al cual la familia de la casa mostraba culto.

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Banquete griego

 

 

Imperio Romano

Muchos conocemos el derroche, esplendor y extravagancia que los banquetes romanos poseían en su época dorada. Las celebraciones más conocidas son las bacanales, fiestas religiosas en torno al dios del vino Baco (Dionisio para los cuates griegos) en la que por varios días se presentaban rituales, corría la bebida por doquier y cualquier cosa estaba permitida.

Existieron especialistas para la cocción de carnes y pescados, así como salseros y decoradores de alimentos. Se servían diversos platos presentando pequeñas porciones para probar de todo. Una particularidad de estos banquetes es que los invitados no se sentaban a comer, sino que se recostaban en un mueble conocido como «triclinium» y degustaban de esa forma los platillos, pues aseguraban que en esa posición la digestión era mejor.

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Para dar una idea más completa del exceso de los banquetes en el Imperio Romano, se cuenta con una frase del famoso filósofo Séneca que criticaba el comportamiento de sus contemporáneos:

«[…] se trae desde lo más alejado del océano lo que a duras penas admite un estómago desencajado por las exquisiteces. Vomitan para seguir comiendo, siguen comiendo para vomitar. Y no se dignan en digerir los manjares que andan buscando por todo el orbe»

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Bacanal

Europa Medieval

En la Europa Medieval, los banquetes se asociaban al bienestar político y moral por lo que éstos eran eventos excepcionales en donde se expresaban los ideales estéticos y sociales de la época.

En cuanto al lay out (distribución) del espacio para el banquete, se realizaba en el salón con la mesa principal en el fondo, dos a los lados y en el centro el buffet decorado con tapicería.  La mayoría de los convidados se sentaba en bancas corridas a excepción de la clase social más alta o los invitados de honor que ocupaban sillas individuales.

Para limpiarse existieron raras opciones. Primero, estaba el mantel que en este caso era ligero y pensado para este uso, posteriormente en el siglo XV se introdujo el uso de la servilleta aunque en algunas casas de la nobleza se tenía por costumbre atar conejos a los asientos de sus invitados para que éstos se pudieran limpiar en el lomo del animal.

En cuanto a los cubiertos, la mesa medieval se limitaba a cucharas y cuchillos, ya que el uso del tenedor se introdujo en pleno Renacimiento. No obstante, la realidad es que se comía con las manos con ciertas reglas de decoro; por ejemplo, en Castilla se estableció que los trozos de carne debían cogerse con dos o tres dedos.

Estados Unidos

Los primeros registros de banquetes en la unión americana pertenecen al encuentro de las antiguas civilizaciones con los peregrinos y migrantes; dicho encuentro se conoce bien como Día de Acción de Gracias. Posteriormente la cocina americana prerrevolucionaria tuvo sus raíces en las costumbres inglesas.

Durante 1800 a 1808, el presidente Thomas Jefferson impuso canon en el desarrollo de los banquetes en Estados Unidos. Implantó muchas tradiciones, comidas, y vinos traídos de Europa e instauró varios menús protagonizados por la cocina francesa.

Hasta el siglo XX, no existieron cambios sustanciales en esta forma de llevar los banquetes. De 1960 a 1964, la primera dama Jacqueline Kennedy fue la persona que llevó a cabo importantes modificaciones para el servicio de alimentos en la Casa Blanca. Una de esas divergencias, fue el formato del menú reduciendo a cinco platillos o tiempos como máximo, cuando antes se solían servir siete.

Mesoamérica

Durante la época de Moctezuma, éste elegía el mejor guisado, de los treinta diferentes platillos preparados. En la comida colocaban una tabla labrada con oro y figuras de ídolos la cual servía de mesa teniendo como característica ser muy baja.

Como preparación para la comida, cuatro mujeres le daban a Moctezuma agua en recipientes llamados xicales para que se lavara las manos. Después otras dos mujeres le traían tortillas y así comenzaban a comer. A la hora de la comida le colocaban delante una tabla de madera pintada de oro para que no lo observaran comer.

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Recreación de la mesa de Moctezuma

Nueva España

Después de quince años de la toma de Tenochtitlán, comenzaron a celebrarse grandes banquetes, sobretodo para celebrar la llegada del nuevo virrey. Se colocaban las mesas con dos cabeceras muy largas, en donde se sentaba el anfitrión y el virrey, esperando el servicio que se hacía con mucha solemnidad. Algunos de los alimentos que preparaban son: ensaladas, cabrito, pasteles de codornices y palomas, gallos de papada y empanadas. Entre cada platillo, se ofrecía fruta para quitarse el sabor de la comida previa y prepararse para la siguiente.

Porfiriato

En el período de 1823 hasta 1923, la mesa mexicana intentó ser una imitación de la mesa parisina. El comedor mexicano se engalanaba con mobiliario europeo y se reemplazaron las platerías coloniales por las de Odiot y de Christofle.

En el período del general Díaz, se reflejaron grandes cambios en la mesa mexicana. Se utilizaron vajillas de Limoges, plata victoriana o vermeil francés. Los cubiertos eran también franceses o ingleses, raras veces alemanes. Este aspecto europeizante en el servicio de la mesa persiste a pesar de la reacción nacionalista que trajo consigo la Revolución.

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Don Porfirio

Actualidad

La forma actual de la cultura gastronómica se dio en el siglo XIX con Alexandre Grimond de la Reyniere (conocido como el primer crítico de gastronomía). Quitó la costumbre de poner fuentes de comida para que se sirvieran los comensales, por el servicio plato a plato que en opinión de este crítico, tenía grandes ventajas como asegurar la temperatura de los platillos  y que el invitado pudiese centrar su atención en una sola preparación y la juzgara en función de ello.

 

Y esto es solo una probada -no literal- de los banquetes en México y el mundo. ¿Conocen otros, historiadores?

 

-Momo

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Top 5. Mujeres de arte

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Top 5. Mujeres de arte

«Yo no soy una coleccionista, soy un museo.»

Peggy Guggenheim

He de confesar que me molesta un poco cuando se utiliza el término «eres arte» como adjetivo calificativo para halagar a una mujer. Es peor verlo en sus derivaciones, por ejemplo «eres demasiado arte», pff… terrible. Y es que el arte vuelve a ser una manera de referirse a las mujeres en torno a su lado estético, cuando es algo que se ha corregido hasta el cansancio: tanto las mujeres como el arte no se reducen solamente en términos de belleza.

No obstante, sí que existen mujeres de arte. Estas féminas han contribuido a la práctica artística desde múltiples perspectivas, no necesariamente siendo artistas, sino agentes culturales que se han convertido en referencia para los nuevos movimientos de la historia del arte. Hay muchas obviamente, pero en este post pondremos un Top 5 para que conozcan más sobre ellas.

Peggy Guggenheim

Principalmente esta mujer fue coleccionista estadounidense y mecenas de artistas importantes en el siglo XX. Fue gracias al comercio de encaje, que la familia Guggenheim hizo crecer su fortuna y junto con su tío Solomon, crearon una de las colecciones de arte más importantes tanto en la historia como en el mundo.

Mientras que su tío estaba sembrando las raíces del que sería su museo en Nueva York, Peggy realizó varios viajes hacia París, Venecia y Londres, manteniendo relaciones cercanas con los artistas que más adelante formarían parte de su colección. Al contrario de otros coleccionistas que basan sus elecciones en torno a una teoría estética o gusto, Peggy adquiría piezas siguiendo su intuición e impulso, justo como lo harían los buenos inversionistas.

Algunos de los artistas que Guggenheim promocionó son: Duchamp, Man Ray, Tanguy, Brancusi, James Joyce, André Breton y Pollock. Sus relaciones no se limitaron a lo meramente laboral, para muchos  Peggy fue una amiga y confidente en la que encontraron apoyo para desarrollar los nuevos lenguajes del arte.

Sonia Delaunay

Pionera en el desarrollo del movimiento artístico conocido como simultaneísmo, la cual se expresó no sólo en la pintura, sino también en el diseño de moda, textiles y libros.  Desde muy temprana edad estuvo en contacto con el mundo del arte, entrando a la escuela de pintura Académie La Palette en París. Durante esa época estuvo en contacto con otros artistas importantes como George Braque o Robert Delaunay, con el que contrajo matrimonio en 1910.

En 1913, colaboró en la ilustración y diseño de la cubierta de La prosa del transiberiano y de la pequeña Jehanne de Francia de Blaise Cendrars. Tras la Primera Guerra Mundial, dejó de vivir de sus rentas (jeje, literal) y comenzó a comercializar sus creaciones, abriendo su primera tienda de diseño en Madrid y posteriormente en París. Para 1930, estuvo en contacto con grupos de artistas que buscaban la abstracción en el arte como Abstraction-Création o Cercle et Carré.

Por último en 1964, gracias a una donación tanto de sus obras como las de su marido, se convirtió en la primera mujer viva a la que se honraba con una exposición en el Museo du Louvre.

Artemisia Gentilleschi

Artemisia es una de las artistas más relevantes del Renacimiento italiano. Hija del también pintor Orazio Gentilleschi, esta mujer estuvo en contacto con grandes referentes de su tiempo, siendo una fiel exponente de la escuela caravaggista con un toque dramático. A los 16 años decidió convertirse en aprendiz del taller de su padre a lo que éste accedió orgulloso, sabedor de que su primogénita era muy capaz como sus contemporáneos.

Lamentablemente, su historia queda manchada por haber sufrido una violación por parte del que fuese su maestro, Agostino Tassi. A pesar de tener todo en contra, Artemisia denunció a su agresor y aunque se sometió a terribles juicios y torturas, logró que el hombre llegara a la cárcel.  Esto fue un parteaguas en la producción artística de la pintora, creando escenas más vengativas y violentas, utilizando a mujeres bíblicas como personajes principales, por ejemplo Judith y Susana.

Se dice que Artemisia fue de las primeras artistas feministas, no obstante, al afirmar esto entraríamos en un anacronismo y perderíamos perspectiva para analizar su trayectoria

 

Ana Mendieta

Ana fue una exiliada cubana en Estados Unidos, cuyo principal trabajo fue en el terreno del Body Art y el performance. Debido a que se encontraba en un contexto político difícil y se enfrentó a una sociedad abiertamente racista, Mendieta se dedicó a hacer un estudio de su entorno y «gritar corporalmente» para evidenciarlo. Toda su obra tiene en común el uso del cuerpo de la mujer, utilizándolo como sello de la crueldad de la violencia de género. Lo que más le interesaba resaltar en sus obras era su doble condición vulnerable: ser mujer y ser una exiliada.

Por desgracia, su historia terminó pronto. Murió a los 36 años al caer desde la ventana de su departamento. Algunas teorías sugieren que fue un asesinato causado por su violenta pareja Carl André, pero no existe acusación sólida. Paradójica mente, su  muerte pareciera parte del archivo de su obra al retratar el impacto del cuerpo sobre el entorno natural.

Lygia Clark

Confundadora del movimiento Neoconcreto, Lygia Clark es un elemento esencial en cuanto a arte contemporáneo latinoamericano se refiere. Durante su trayectoria realizó pinturas, esculturas y performance relacionadas con la psicoterapia. En la primera parte de su carrera se dedicó a la abstracción geométrica en la creación de pequeñas figuras en blanco y negro; todo esto después de haberse casado con Aluízo Clark y tener tres hijos.

El movimiento Neoconcreto, considera un arte en el que el espectador entra de forma orgánica y manipula la obra, esto con el objetivo de romper la tradicional relación objeto-espectador que sólo mira. Impartió clases en el Instituto Nacional de Educación de Sordosy,  ahí su trabajo cambió a una faceta biológica y performática y comenzó a tener reconocimiento internacional. Para Lygia, los objetos eran herramientas para conectar el cuerpo con la psique.

 

Como pueden ver, es mucho más interesante hablar de mujeres de arte que sólo utilizar el término como halago. Te invito a que conozcan más sobre estas chicas y su trabajo artístico.

 

– Momo

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El arte no es entretenimiento

Arte electrónico, más allá del ordenador personal

El arte no es entretenimiento

Mucho se ha dicho en torno a la importancia de las profesiones en tiempos de crisis o verdadera necesidad. Principalmente considero que tales discusiones provienen de un sinsentido ya que toda actividad profesional existente tiene un trasfondo que responde a algún requerimiento específico de la sociedad. No obstante, el motivo que engendró este artículo proviene de una o varias frases encontradas en redes sociales donde se invita al público a reflexionar sobre lo que lo mantiene «entretenido» en esta cuarentena: libros, películas, series, música… y el desdén que siempre se tiene hacia esas disciplinas. Sí, estoy hablando de las artes. 94bd5bfb-2904-4e89-aaec-4719b6dfe7ff

En un principio me pareció acertado el señalamiento. Y es que es fácil caer en él cuando todo el tiempo se está intentando demostrar la utilidad de las expresiones artísticas dentro de una civilización. No obstante, al poco tiempo charlando con un colega, encontramos un punto flaco: tal aseveración en lugar de legitimar la posición relevante del arte, la reducía a un mero instrumento de entretenimiento.

Bien dicen que el infierno está lleno de buenas intenciones. No estoy diciendo que de facto estas frases encontradas en Facebook digan que el arte es entretenimiento, pero el paso lógico es más corto que la distancia de mi habitación a la sala de estar. Si bien, una de las particularidades de la práctica artística es que se mezcla perfectamente con la industria del entretenimiento, no es este su principal objetivo.

La clave está en quién mira

Es complicado definir qué es arte; todavía no existe el individuo, escuela u organización que haya dado con la respuesta. Sin embargo, podemos acercarnos a dicha definición mencionando lo que no es.

Tanto el arte como el entretenimiento tienen en su básica estructura tres elementos: emisor, mensaje y receptor. Enfoquemos en éste último, siempre existe un observador o espectador que es considerado por parte del emisor (en este caso el artista o el espectáculo). Empero, la diferencia radica en la acción del que observa.

En el caso del entretenimiento, se espera una actitud pasiva por parte del espectador, esto quiere decir que no tiene que pensar o replantearse cualquier elemento de su realidad, sino que basta con que reaccionen sus emociones de forma superficial, aunque intensa, frente a lo que se le está presentando. Por ejemplo, un programa de televisión cómico tendrá como objetivo que la gente ría, los dramas o las telenovelas pretenden que las personas lloren, se enamoren o enojen con la historia que les están contando. Si hay algún momento de reflexión o posible enseñanza va orientada hacia una lectura unilateral y muchas veces moralina. unnamed

En cambio, el arte necesita que el observador tome un papel más activo. El artista propone mediante recursos plásticos, visuales o sonoros un planteamiento sobre el mundo, cuestionar o problematizar una situación que como humanidad nos atañe. Al emisor no le basta que otra persona sólo observe, sino que tiene que presentarse una reacción mucho más compleja que le permita ahondar en posibles interpretaciones, posibles soluciones.

La práctica artística tiene la facultad de adaptarse a la industria del entretenimiento y es gracias a estos aportes es que tenemos una amplia gama de posibilidades al momento de dar muerte al aburrimiento. Sin embargo, no todo lo que «entretiene» es precisamente artístico y viceversa; escuchar una sinfonía de Mahler mientras cocinamos es igual de obtuso que pedir tortillas en un restaurante de sushi. Puede que tenga un sabor rico para ti pero no tendrás una verdadera experiencia culinaria.Social media and entertainment graphic design

Por último, otro de los peligros de considerar al arte como mero entretenimiento es que justamente en momentos como la cuarentena por el coronavirus, se convierte en algo prescindible y mientras «haga pasar el rato» tendrá un valor. Una de las funciones del arte es la capacidad de crear símbolos y dar sentido a las experiencias de la humanidad.

Es bastante obvio que se está viviendo un momento sin precedentes y que dentro de las consecuencias que trae esta pandemia es el daño psicológico y social de los individuos. Hay mucha duda y temor, la incertidumbre es la sensación general y es aquí donde el arte entra en escena para ayudar a digerir y expresar lo que se está experimentando. Un ejemplo de esto es las múltiples convocatorias de las editoriales universitarias para hacer un compendio de ensayos sobre las vivencias de las personas en tiempos del coronavirus.

Antes de irme, un último mensaje. Las artes no tienen porque justificar su existencia, ninguno de los saberes de la humanidad, responden a una necesidad a veces inmediata otras compleja, pero siempre tienen un propósito. Excepto, tal vez, los estudios de género. 😉

 

-Momo

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Síndrome de Stendhal: una sobredosis de belleza

«[…] me abandonaba a mi locura como a la vera de una mujer que se ama.»

Stendhal, Diario de viajes a Nápoles y Roma, 1817

Bien dicen que cada quién elige la manera en la que se destruye: alcohol, tabaco, drogas… no obstante, jamás se concibe que la experiencia estética, es decir, cuando estamos frente a una obra de arte pueda llegar a ser perniciosa. De hecho, algunos psiquiatras canadienses recomiendan las visitas al museo como parte del tratamiento. Sin embargo, poco se nos avisa o prepara de un «mal del viajero romántico» o síndrome de Stendhal el cual es una enfermedad cuya existencia aún es debatida por el gremio de los médicos.

Todo en exceso hace daño, hasta la belleza

El síndrome de Stendhal es una enfermedad psicosomática que puede presentar un cuadro clínico con características de ataques de ansiedad o episodios depresivos. Estos síntomas se presentan de forma abrupta y aguda con la particularidad de que son encadenados por la exposición a una o varias piezas de arte en un período de tiempo corto.

Recibe este nombre debido a un afamado escritor francés del siglo XIX, Marie Henri Beyle, conocido en el ámbito literario como Stendhal. Su obra se enmarca dentro de la corriente del romanticismo que, a grandes rasgos, se caracteriza por la exaltación de las pasiones más allá de la razón. Fue autor de diversos libros como Rojo y Negro (1830), La cartuja de Parma (1839) o Recuerdos de Egotismo (1892).

Todo un hombre del siglo XIX

En 1817 realizó un viaje por varias ciudades italianas con la intención de visitar las galerías y recintos artísticos más importantes. Se hizo de un diario en el que justamente se encuentra el primer registro del síndrome antes descrito, de ahí que lleve su nombre. En sus registros relata cuál fue su experiencia al visitar la basílica de Santa Croce en Florencia:

«Había llegado a ese punto de emoción donde se encuentran las sensaciones celestiales que dan las bellas artes y los sentimientos apasionados. Saliendo de la Santa Croce tenía fuertes latidos de corazón, lo que Berlín llaman nervios; la vida se me había desvanecido, caminaba con temor de caer.»

Stendhal, op.cit

La experiencia estética explicada por la ciencia

A pesar de darle el nombre, no fue Stendhal quién lo catalogó como una anomalía a la salud. La persona responsable es la psiquiatra italiana Graziella Magherini , la cual trabaja en el Hospital Santa María Nuova de Florencia en donde recibió más de 100 casos referentes a este frenesí causado por alguna obra de arte. Escribió entonces el libro La sindrome di Stendhal. Il malessere del viaggiatore di fronte alla grandezza dell’arte (El síndrome de Stendhal. El malestar del viajero frente a la grandeza del arte).

En el texto, Magherini resalta que existen tres tipos de trastornos dentro del síndrome. De los casos reportados, menciona que el 66% afligen al pensamiento, 29% a los afectos y 5% presenta ataques de pánico o angustia. Esto quiere decir que las personas que lo presentan pueden confundirlo con una desazón por el viaje mismo o simplemente no encuentren razón alguna a su malestar además de ser difícil de comunicar por su carácter psíquico o mental.

¿Realmente existe?

Sin duda el síndrome de Stendhal ha sido motivo de conversación entre los académicos que lo defienden y los que se muestran escépticos al respecto. No es el objetivo desprestigiar la investigación de la Dra. Magherini, no obstante existen ciertos elementos acuciantes que ponen en duda si realmente existe como síndrome o no.

Algunos de ellos son los siguientes:

  • La mayoría de los casos se presentan en Florencia u otra ciudad italiana
  • Las obras que causan los estragos generalmente pertenecen a las corrientes del Renacimiento o Barroco
  • Sólo se presenta en extranjeros, la gente local no presenta síntomas

Para regresar a nuestra fuente principal, Magherini da una explicación de corte psicoanalista que resume la autora Patricia Morales García:

» Según la Dra. Magherini, existen dos facilitadores del síndrome, el estar  ante la obra original, con la connotación que la obra o el autor puede significar para el sujeto y que no exista una red simbólica que atenúe la  experiencia, de ahí que sean extranjeros. De manera, que donde debería  sentirse placer al contemplar la belleza, la función estética desaparece, debido a la alteración del “marco fantasmagórico” del sujeto. Es decir, que  el significante que debería sostener la significación fálica, se colapsa  en función de su significación y se convierte en una presencia real.» 

Magherini, «El síndrome de Stendhal», 1990

Al parecer, lo que causa esta enfermedad es la aparente euforia que causa el encontrarse con una pieza de la cual uno ha leído o estudiado. Me atrevería a comparar este mal con la reacción de una adolescente si algún día tuviese enfrente a Justin Bieber

La enfermedad artística

Habría que considerar también el movimiento al cual Stendhal pertenecía. El romanticismo si bien tiene elementos compositivos delimitados, la exaltación y el frenesí son parte esencial del mismo, lo que se ve reflejado en cualquier manifestación artística. Es posible que el relato del francés esté marcado más por su estilo que cualquier malestar físico.

Sea como fuere, el síndrome también ha afectado al mundo del arte, generando obras que hablan de cómo funcionan las obras con el espectador. Un ejemplo de ello es la película estrenada en 1996 «El Síndrome de Stendhal» de Darío Argento. Como regalo por haber llegado al final de este artículo, anexo la película completa.

– Momo
 
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