¿Por qué ver el #Snydercut es apoyar al arte?

Primero aclaremos una cosa: no soy fan de las películas de superhéroes. Con esto no quiero decir que considere que este tipo de producciones son inferiores en comparación con obras de cine de autor, ni que fuera yo Martin Scorsese. Simplemente no es el género que consumo habitualmente, en gran medida porque percibo – erróneamente ahora que lo pienso – que estos filmes van dirigidos exclusivamente a un público infantil.

No obstante, todo cambió cuando conocí a mi novio. Desde que empezamos a salir, he visto más películas de las franquicias Marvel y DC de las que hubiese querido en realidad, pero bueno, una de novia se pone complaciente. Fue entonces que di con el nombre de Zack Snyder.

Snyder entró en la conversación cuando fuimos a ver la película de Aquaman en el 2018. Quitando mi estupor por el actor Jason Momoa, lo que más me llamó la atención fue que por fin alguien le había dado algo de dignidad al personaje marino. Seamos sinceros, nadie quería ser Aquaman, sino, pregúntenle a Sheldon Cooper. Lo que Zack hizo se reduce solamente a otorgarle una personalidad en toda regla y considero que esa decisión fue en gran medida la fórmula de su éxito.

Con la debida asesoría de mi experto favorito, revisé su filmografía , la cual abarcaba desde una visión cruda y decadente del superhéroe con Watchmen (2009) hasta la creación de un «camino del guerrero» con Man of Steel (2013). En resumen, el trabajo de este director consta en la construcción y problematización de la figura del héroe, además de un desarrollo contemporáneo del género épico o la epopeya. ¿Estoy comparando al Superman de Snyder con el Odiseo de Homero o Eneas de Virgilio? Sí, ¿y qué?

Después me topé con la tendencia del #Releasethesnydercut en Twitter y busqué exhaustivamente y en vano porque no entendí ni jota. ¿Qué hice? le pregunté a mi novio y creo que su explicación es concisa, precisa y maciza.

Aquí los detalles:

Warner Bros. quiso hacer un universo fílmico y querían a Christopher Nolan, el cual les dijo que no, por lo que recomendó a Zack Snyder y Nolan apoyó con Man of Steel.

Aunque no le fue mal, querían más dinero. Así que Warner presionó a Zack para no hacer Man of Steel II y hacer Batman vs. Superman, la cual fue titulada como Batman vs. Superman: Dawn of Justice, porque querían que sirviera de base para armar la Liga de la Justicia.

Hizo casi todo lo que pidió el estudio, excepto la parte de la duración y el tono, porque quería hacer algo distinto a Marvel y su comedia y modo más «jocoso». Entonces, aunque la Warner aprobó la cinta, decidieron quitarle media hora para ganar más taquilla. Esto demostró ser un grave error, porque esa media hora explica mucho de la trama por la cual hubo quejas. Dato: Superman pelea en un lado deshabitado, porque la gente se quejó que en Man of Steel moría mucha gente. (WTF)

Las críticas fueron despiadadas y Warner pensaba que obtendrían mil millones de dólares, pero no fue así, por lo que destrozaron el plan de películas que había, donde se hablaba de que Justice League sería en dos partes, aunadas a películas por separado de Cyborg y Flash.

Snyder se concentró en hacer Justice League y todo iba bien, pero su hija Autumn Snyder se suicidó y él pues trató de concentrarse más en la cinta. Obvio, esto pasó factura y junto con la presión de Warner y unos de los directivos, decidió hacerse a un lado y atender a su familia.

Ojo: la cinta ya estaba virtualmente terminada, pues había estado trabajando a la par en BvS y Justice League, por lo que los actores ya estaban bastante a gusto con Zack. Al momento de irse, contrataron a Josh Wheedon, el director de las primera dos películas de Avengers, para terminar el trabajo. Al hacer esto, el presupuesto ya era de 275 millones de dólares-según Warner- por lo que extendieron otros 25 para que terminara y reescribiera la cinta. Por eso tiene más «comedia» y una historia bastante distinta. Aunado a que tuvo que meterle mucho dinero a ocultar el bigote de Henry Cavill.

La versión de Wheedon fue un desastre, pero casi en el primer minuto surgió el movimiento #Releasethesnydercut que nunca dejó de insistir en que se lanzara la versión que tenía Snyder en mente. El director compartió a través de sus redes múltiples montajes y fotos de su visión, siendo una constante que cada que lo hiciera, se relanzaran los hashtags. De hecho, Jason Momoa fue uno de los más insistentes en lograrlo.

A finales del año 2020, At&T logró que esto se materializara para que se lanzara Zack Snyder’s Justice League, otorgándole entre 40-70 millones de dólares para pulir su versión fílmica y grabar otras escenas-como la de Knightmare al final – siendo un triunfo de los fanáticos y del director por conservar su visión.

Actualmente existe el movimiento #RestoreTheSnyderVerse donde los fans demandan a Warner seguir con la visión de Snyder y presentarnos la historia que sigue al final de Justice League.

¿Ven porqué lo amo? Creo que no es necesario mencionar que en cuanto salió Justice League de Zack Snyder el 18 de marzo del 2021 la vimos (incluso alcanzamos la «oferta» de $60 pesos en Amazon Prime) y nos sumergimos en un «momento íntimo» de cuatro horas de esta epopeya contemporánea.

No voy a decir si esta versión es mejor que la del 2017 o no, como dije antes, mi dominio no cubre este género. Sin embargo, puedo hablar desde una perspectiva que sí me compete: la producción artística vs. los objetivos comerciales de las empresas. De hecho si quieres, puedes leer un artículo por aquí que escribí respecto a ese tema.

Zack Snyder apostaba por la creación artística, Warner Bros. por una fórmula multimillonaria como la de Marvel. El director exploraba las particularidades emocionales y contextuales de sus personajes, Warner quería una producción de standuperos con super poderes. Ojo, no estoy diciendo que esté mal ganar dinero con el arte (Dios me libre de algún día decir eso), lo que sí es cuestionable es hasta qué punto es válido romper una propuesta creativa con tal de ganar un par de millones más.

Pensamientos Finales

Justice League de Zack Snyder es una celebración. Se celebra el triunfo de la creatividad sobre la producción en serie. Con esta situación, se hizo más evidente que Warner Bros. no es una fábrica de latas de sopa, sino una empresa de cine y el cine cuenta historias, propone nuevas perspectivas, construye relaciones a través de un lenguaje específico y, por supuesto, también gana dinero.

Probablemente para ti, querido lector, $299 pesos es un precio excesivo para la renta de una película por 48 horas. Empero, si lo piensas detenidamente, ¿cuánto gastabas en ir al cine?

Además de que es un producto cultural original e innovador en su ramo, con esta minúscula acción le estarás diciendo a la Warner Bros. – y de paso a las demás productoras – que tú como público no eres pasivo y no estás dispuesto a pagar algo que no consideres que es de calidad. Las fórmulas de éxito en el entretenimiento pueden ser efectivas pero no deben ser el único recurso para convencer al espectador a hacer una compra.

Hazles saber que tú también estas en el juego del arte.

-Momo

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Los cinco momentos de Adolfo Best Maugard

Cuando pensamos en los movimientos artísticos mexicanos del siglo XX, surgen nombres de sobra conocidos como Rivera, Siqueiros, Orozco o Kahlo, incluso personajes no tan prominentes como María Izquierdo o Ángel Zárraga disfrutan de una mayor fama que otros agentes culturales que fueron claves para el desarrollo plástico por el cuál nuestro país es valorado. Uno de ellos fue Adolfo Best Maugard que, aunque el nombre no nos dé pista de eso, es más mexicano que el chile.

Artista plástico, estudioso del dibujo, profesor de arte, director de cine, camarógrafo, escritor, pensador y promotor de la cultura mexicana, son algunas de las áreas en las que Best Maugard no sólo incursionó, sino también destacó y estableció tendencia en la nueva pedagogía artística.

Tomaría bastante tiempo ( y caracteres) para describir todas las facetas de este artista, por lo que he decidido presentarlo en cinco momentos emblemáticos que experimentó durante su carrera. Una probada, antes del plato principal.

Un caballero defensor de lo mexicano hacia el mundo

Best Maugard, conocido por sus amigos como «Fito Best», pertenecía a la élite favorecida por el gobierno porfirista y era descendiente de raíces inglesas y francesas. Probablemente a causa del hartazgo de ver a Europa como modelo de belleza y civilización, Adolfo buscó incansablemente apropiarse de «lo mexicano» y promoverlo en escenarios internacionales a través de sus múltiples contactos.

Ejemplo de ello fue su participación con la bailarina rusa Anna Pavlova para la realización de su Fantasía Mexicana, una serie corta de bailes folklóricos en la que el Jarabe Tapatío tiene un participación central. Best Maugard diseñó los decorados y vestuarios además de intercambiar ideas con la bailarina para su performance.

El resultado fue una estremecedora presentación en el Teatro Abreu el 25 de enero de 1919 y causó fascinación entre los espectadores. La bailarina mexicana Josefina Lavalle, comentó acerca de este acontecimiento:

«Cuando Madame Pavlova bailó nuestro Jarabe Tapatío en punta, nos hizo dar cuenta, a todos los que estábamos en la audiencia, de cuán elegantes y bellos pueden ser los bailes populares de nuestro país.»

Retrato de Anna Pavlova, por Best Maugard. 1925

Un promotor de la inversión extranjera a través de la palabra

Una de las relaciones más fructíferas que Best Maugard cosechó fue la que tuvo con la periodista estadounidense Katherine Anne Porter. En sus múltiples viajes a México, tuvo contacto con los artistas de la época, entre ellos Fito Best, el cual había desarrollado un método artístico basado en el uso de antiguos diseños aztecas encontrados en templos, orfebrería, cerámica, etc. compilándolo todo en un libro titulado Método Best. 

Esto inspiró a Porter a realizar un ensayo fotográfico para la Magazine of Mexico (de la cual era directora general) encabezado como «Mexican Artists Interprets Mexico» el cual tenía el objetivo de incentivar la inversión extranjera por parte de empresas norteamericanas hacia México. En este proyeto se muestran escenas costumbristas, fotos de barrios ampliamente conocidos, retratos tanto de burgueses como proletarios e imágenes consideradas típicas como un niño con sombrero o un jinete vestido de charro.

Imágenes de «Mexican Artist Interprets Mexico.» por Katherine Anne Porter, 1921

Aportaciones al vocabulario de las artes y la vida cotidiana

Best Maugard perteneció a un momento de transición entre el mundo análogo y la modernidad. En la primera mitad del siglo XX, el eje del arte hacia Europa como centro de la expresión artística, poco a poco fue perdiendo protagonismo y ahora el territorio americano tenía la atención de los creadores.

Esto alentó a Maugard a conformar un nuevo estilo de dibujo basado en los diseños prehispánicos y las artes populares mexicanas que también derivó en un método pedagógico. Método de dibujo. Tradición, resurgimiento y evolución del arte mexicano, resultó ser la propuesta oficial no sólo para aprender a dibujar, sino también para aprender a ver. Construyó un alfabeto visual de siete elementos extraídos de las raíces mesoamericanas, las cuáles él consideraba como «la génesis del dibujo mexicano.» La constante práctica de estos símbolos, daba oportunidad al dibujante de ir avanzando en complejidad y ver sus creaciones tanto en papel como en objetos de uso común como muebles o juguetes.

Los siete elementos del método del dibujo de Best Maugard y sus combinaciones. 1989

Censor de la imagen hablada: el cine

Nuestro querido Fito Best no limitó su trabajo solamente a las artes plásticas, sino que tuvo interesantes incursiones en el mundo cinematográfico. Su primera colaboración relevante fue al convertirse en censor de la película de Sergei Eisenstei, ¡Qué viva México! posición que le permitió ayudar al director ruso a retratar con mayor fiabilidad cultural algunas de las escenas y costumbres del territorio mexicano, además de aportar nuevas perspectivas compositivas gracias a sus fotografías y la participación de otros artistas como el muralista Roberto Montenegro.

Dicha experiencia lo motivó a en 1933 crear su primer documental Humanidad que lo hace debutar como cineasta. El tema principal era retratar la gestualidad de los individuos y de ser posible, divulgar las actividades de beneficencia por parte del gobierno. Fue recibido con gran clamor y elogios como los externados por el pensador Manuel Rodríguez Lozano:

Es una película mexicana en la que Best cuaja verdaderos trozos de belleza sin sofisticar, sin ese sentido de falsedad y convencionalismo que generalmente tienen las películas norteamericanas.

Cartel de la película «¡Qué viva México!», 1930

Filosofía a través del retrato

Posterior a su trabajo cinematográfico, Best Maugard regresa a la pintura de caballete pero con el firme objetivo de plasmar su pensamiento filosófico mediante la realización de retratos. Se dedicó a inmortalizar a personajes emblemáticos de la sociedad mexicana como el Dr. Atl, la actriz Dolores del Río o al caudillo Emiliano Zapata.

No obstante estos no son retratos naturalistas, son rostros que miran de frente apelando así a la mirada del espectador, acompañados de un fondo neutro que hace alusión a la espiral del tiempo, elemento teosófico que marcará pauta en los próximos años de su carrera. Sus pinturas pretenden con esos ojos enormes, «mirar lo no mirado», lo trascendente e inmaterial tanto del que observa como del observado.

Dolores del Río posando junto a su retrato hecho por Best Maugard. 1954

Como vimos hasta ahora, Adolfo Best Maugard fue un admirador de lo que él consideraba «Lo mexicano» y se dedicó a promoverlo por lo que es posible que el imaginario extranjero acerca de México sea en gran medida gracias a él. En un momento histórico donde todos veían a Estados Unidos como la nueva potencia artística, hubo un hombre que apostó por la sensibilidad, colorido y riqueza de la cultura mexicana, tanto así que desarrolló un nuevo lenguaje universal a partir de las raíces particulares de una región.

– Momo

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Arte electrónico, más allá del ordenador personal

Historia de los Banquetes

El arte no es entretenimiento

Las películas en la memoria histórica

Dicen que una imagen vale más que mil palabras y es justo en nuestro siglo donde esa frase retumba aún más fuerte dentro de la memoria colectiva.  Ante la importancia que en la actualidad tienen las imágenes cinematográficas en los procesos de construcción de la memoria individual y colectiva de la identidad realizó esta pequeña reflexión acerca del impacto del séptimo arte en la percepción histórica.

El cine nace en 1895 y desde entonces se convirtió en un medio de expresión privilegiado de nuestra época. Se constituye en un medio de comunicación masivo, propio de la sociedad urbana industrial, capaz de influir en la forma que las personas estructuran el mundo. En síntesis, se vuelve parte de la cultura de masas.

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Sus imágenes constituyeron a lo largo del siglo pasado y en lo que ha transcurrido del actual, un inmenso laboratorio para la reflexión no solo de los historiadores si no de las demás ciencias sociales, de este modo, la tarea de investigar el devenir de los procesos socio históricos cuenta hoy con este inestimable recurso provisto por la ciencia y la tecnología modernas.

 

L’Arrivée d’un train en gare de La Ciotat

Cine como parte de la historia.

El cine se convirtió, sin duda, en el arte que mejor expresa las contradicciones y el devenir de la vida moderna, porque surge como una tecnología que permite la circulación, la movilidad de la mirada y la restitución de lo efímero, pero también como un medio de expresión constitutivo de una nueva colectividad, esto es, un tipo de público receptivo a las imágenes y con una mirada capaz de asumir la dificultad de percepción del espacio y el tiempo que la modernidad trae consigo.

Las películas nos brindan otras versiones del pasado y son considerados como “memorias relevantes” que reclaman ser tenidas en cuenta a la hora de reconstruir los hechos históricos. El cine nos aproxima al pasado de una forma especial y por lo mismo exige un ejercicio interpretativo crítico por parte del sujeto y la sociedad que lo mira.

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Historiadores y el cine.

Los historiadores han discutido sobre el valor de estos documentos ágrafos y, como parte de esta discusión, analizan la importancia de la interpretación de acontecimientos históricos en la sociedad moderna orientada preponderantemente hacia las imágenes. Tanto las fuentes escritas como los testimonios cualitativos y artístico-culturales son herramientas que se complementan permitiendo una reconstrucción multilateral, brindando distintas perspectivas de abordaje que pueden contribuir a plantear nuevos interrogantes en los temas investigados.

La imagen cinematográfica nos proporciona fragmentos y pequeños vestigios del pasado, que en su diálogo con el presente nos permiten establecer vínculos con lugares cercanos o lejanos a este último. La lectura que se haga de las imágenes cinematográficas dependerá de la sociedad que las mire y de quienes crean que ellas constituyen una huella de la historia, pero una huella muy particular, pues a lo largo de su historia el cine ha construido una memoria que le es específica, que no nos muestra »lo real» en sí mismo o en estado bruto sino que como artefacto retórico se ha consolidado como un medio creador de sentido.

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Cine como medio de crear historia

El cine puede ser una vía legítima de hacer historia, de representar, interpretar, pensar y dar significado desde las huellas del pasado. La historia no debe ser reconstruida únicamente en el papel, ya que a través de elementos como el sonido, la imagen, la emoción y el montaje, una película ofrecería otras versiones de los hechos y puede hacernos reflexionar sobre los mismos. La historia, aunque ciencia humana de lo particular y lo concreto, no puede entender el pasado sin crear abstracciones como revolución, progreso, modernización. Pero a diferencia de la palabra, la imagen fílmica no puede abstraer o generalizar. Esta es una característica de la representación fílmica del pasado: explicarlo a través de individuos, actuando dentro del proceso histórico, padeciéndolo o intentando transformarlo.

El cine como artefacto cultural e ideológico y medio de comunicación masivo, ofrece al historiador múltiples perspectivas de análisis: como documento histórico, versión fílmica del pasado, como recurso didáctico, sistema significante, y lugar de la memoria y del imaginario social. Todas ellas constituyen espacios de encuentro, de intersección entre estas dos prácticas y determinan la conformación de un nuevo campo explorado por los investigadores que valoran las imágenes en movimiento como elementos relevantes para la construcción del saber histórico.

-Barbarella

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Hessianos

La práctica pedagógica y la Historia

¿Los mitos fundacionales han caducado?

 

 

1917: Una película histórica NO INCLUYENTE

Mejor dicho: una película histórica que no cumple caprichos.

La I Guerra Mundial fue un conflicto que trajo repercusiones que no se imaginaban sus protagonistas cuando iniciaron los enfrentamientos en 1914.

Sí, es evidente que fue un enfrentamiento que se centró en gran medida en Europa, pero tuvo distintos encuentros y repercusiones en Asia, África, América y en alguna medida en Oceanía también. De igual manera, hubo soldados de los cinco continentes envueltos en la conflagración.

Empero, esto no quiere decir que la participación de estos soldados coloniales haya sido la abrumadora mayoría dentro de las filas militares. Fueron aproximadamente 4 millones de tropas de origen colonial los que combatieron en Europa, de los 42 millones de personal movilizado por las Potencias Aliadas-incluyendo ya a EUA

¿Entonces cuál es el problema de crear una película que se centra en dos soldados ingleses? Fácil, en estos tiempos de inclusión, se quiere imponer una visión que no es necesariamente la que ocurrió en su momento. Reitero: hubo soldados de distintas nacionalidades en los frentes, pero eso no quiere decir que las tropas caucásicas fueran inferiores en número.

El origen de la discordia.

Hace unos días, me topé con una captura de pantalla en el Grupo Oficial de HC Historia Contemporánea. y Bitácora Espacial que compartieron los usuarios y decía palabras más, palabras menos, que la película era problemática por la falta de representación femenina y de personas de color en el filme.

Esto me puso en alerta, porque pensé que era un chiste de mal gusto, pero no, alguien se tomó la molestia de escribir ésto y otros asuntos «problemáticos» con 1917, los cuales pueden consultar a continuación:

«1917″ has one major flaw – it’s irresponsibly nationalistic. MATTHEW ROZSA. 20 de enero de 2020. Salon.

Finally, a movie for guys. Jeremy Gordon. 31 de enero de 2020. The Outline.

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Por un lado, hablan de que se exacerba el nacionalismo y lo comparan con Donald Trump... ¿por qué insisten en creer que todo lo malo del mundo tiene que ver con el Presidente de EUA? Ya solo faltó que nombraran a la película como fascista… Retomando el hilo, el autor del primer artículo es evidente que no sabe de lo que habla y que no entiende lo que es el nacionalismo.

La I Guerra Mundial fue un conflicto donde jugaron un gran papel las nacionalidades Y LOS IMPERIOS. Reducirlo a una sola causa es ignorante, torpe, malintencionado y simplemente estúpido. Nuestra visión actual del mundo NO PUEDE ADAPTARSE A UN EVENTO DE UNA CENTURIA.

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Por ello, tenemos que entender que el director de 1917, Sam Mendes, es nieto de un veterano de la I Guerra Mundial y decidió que iba a contribuir con su visión de este conflicto, así como buscar darle un lugar a las personas sikh que participaron en el enfrentamiento.¿Lo logra? Yo creo que sí, aunque es evidente que NO ES DEL TODO SU INTENCIÓN.

Obvio, puede haber más gente de ese tipo en otro filme, pero como NO ES EL OBJETIVO de nuestro director, no debería haber mayor problema. Su visión es mostrar una historia que es a la vez personal , así como atemporal y lejana a él: son dos personas en la búsqueda de cumplir una misión y evitar una mayor desgracia. Pudo haber sido otro lado, otro contexto, otra historia… pero el director quiso que fuera la I Guerra Mundial.

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¿Entonces qué debemos hacer?

He aquí las preguntas del millón:

  1. ¿Necesita cuotas de género?
  2. ¿Necesita cuotas de inclusión de personas de diferentes orígenes?
  3. ¿Debe complacer a todo mundo?

La respuesta a todos estos cuestionamientos es:

NO

¿Por qué no? Porque la historia y la forma en que se cuentan las narrativas es una cuestión subjetiva, que no está ni debe estar sujeta a los caprichos, deseos y agendas de colectivos en específico, salvo las intenciones de sus creadores originales, como lo es esta cinta.

Y en cuanto a lo que es la disciplina histórica, ésta va más allá de los deseos de colectivos y grupos de interés, puesto que se sustenta en relatos, historias, narraciones, documentos y fuentes que muestran algunos fragmentos de la realidad, que pueden ayudarnos a difundir la enseñanza del pasado.

¡OJO! No digo que no se permita a actores de distintas nacionalidades y orígenes representar a otros personajes, pero tampoco de trata de caer en ridículos como Aquiles en Netflix , Thomas Randolph en Mary, Queen of Scots o Black Canary en la mediocre Birds of Prey.

No es cosa de «justicia social», sino de no sacarse de la manga cosas solo por ser políticamente correctos. Si a mí se me ocurriera poner a Ryan Gosling como Martin Luther King, sería crucificado cuando menos.

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Pero mientras escribo estas líneas, más y más tonterías son pensadas dentro de las ideas de la decolonialidad que es llevada al absurdo, junto con otras corrientes que no me molestaré en mencionar, porque no merecen mucho más de mi tiempo.

¿Mi conclusión? Disfruten las películas históricas, vean donde tengan errores, anacronismos, ríanse de sus tonterías y exijan que no les impongan una visión desfasada, en aras de ser «incluyentes»

-Hal Jordan.

Si quieres saber más de este autor, sigue estos enlaces:

Réquiem por un Penacho

¿España debe pedir perdón por la Conquista?

La Revolución Mexicana.¿Debemos seguir celebrándola?

¿Qué tiene de interesante… la trilogía de superhéroes de M. Night Shyamalan? Parte III de III. Glass (2019)

O cómo hacer tu propia trilogía de superhéroes

Póster promocional

Este año salió la última parte de la inesperada trilogía de la que hemos hablando con anterioridad en las siguientes entradas:

Y me parece que es necesario cerrar ese ciclo. Antes de continuar, pido una disculpa por la tardanza, pero tuve una serie de circunstancias que me impidieron concluirlo en el tiempo que yo tenía previsto. Ahora, a lo que nos interesa.

¿Notan los colores? Pues no es casualidad.

¿Qué nos ofrece esta entrega fílmica? Una conclusión para una historia que se fue enlazando por casi 4 lustros y que, al final, resultó en un cierre agradable pero que pudo haber sido mejor.

En este cierre, vemos que David Dunn se ha vuelto un justiciero (vigilante) en Filadelfia-porque M. Night Shyamalan es quien hace esta película- y se entera de que la Bestia -James McAvoy repitiendo el papel de Kevin Wendell Crumb– ha secuestrado a unas porristas, por lo que tras toparse con él-con ayuda de su hijo Joseph Dunn, que funge como Oráculo de Batman- salva a las chicas secuestradas. Tras esto, se da una muy intensa pelea, la cual lleva a que ambos sean apresados e internados en un hospital psiquiátrico por la doctora Ellie Staple-Sarah Paulson- quien, además, tiene en sus instalaciones al enigmático psicópata Elijah Price, mejor conocido como Mr. Glass.

Este póster me encanta.
Esta es Oráculo, que me parece es la inspiración para la función de Joseph Dunn dentro de la cinta, en las funciones de justiciero de su padre.

Tras este resumen, quisiera destacar varios puntos de la película:

  • La actuación de Samuel L. Jackson me encanta. Esa parte de él como alguien catatónico que fingía me recuerda mucho al estado de El Guasón-The Joker- en The Dark Knight Returns, quien reacciona al ver al encapuchado en la televisión.
  • Kevin es un personaje muy divertido que ayuda a sobrellevar una trama un poco lenta.
  • Las peleas de David con Kevin son muy vistosas, tomando en cuenta el limitado presupuesto del filme.
  • La noción de los superhéroes como un fenómeno de masas que puede provocar delirios mentales me pareció muy interesante y, en mi opinión, mejor llevada que lo que planteó en su momento Kick Ass.
  • Los cómics se vuelven uno de los elementos centrales del filme, porque, como nos mostró la primera película en Active Comics, entran en juego las fuerzas de la portada y los colores verde, morado y amarillo llegan al enfrentamiento final.
  • La revelación típica de Shyamalan A MÍ me agradó, porque mostró que hay una noción de que hay seres superdotados que escapan a la comprensión de la humanidad-y de la fe– por lo que es hasta cierto punto lógico que haya una facción que busque eliminarlos.
  • El uso de una escena eliminada de Unbreakable me pareció muy buena idea, pues resultó en un aporte interesante para el filme.
  • La escena final me dio mucha tristeza y a la vez alegría. Te odio, Shyamalan.
Joker catatónico reaccionando en The Dark Knight Returns
Los tres pacientes reunidos frente a la doctora Staple
Nótese como están los tres colores de nuestros personajes mostrados ahí. Y, en cierta manera, termina siendo Mister Glass quien contempla esta obra.
Dra. Ellie Staple
La triste escena de la infancia de Mr. Glass

Ahora, pasaré a enunciar lo que en mi opinión no funcionó:

  • La presencia de Casey Cooke es virtualmente irrelevante.
  • La muerte de David Dunn es muy mala. Pudo haber sido más vistosa.
  • Por momentos es demasiado lenta, por la manía de Shyamalan de querer relatar todo lo que ocurre dentro de la trama.
  • El hospital a veces parece manejado por personajes con deficiencias mentales.
  • Por momentos Kevin puede resultar un personaje un tanto odioso.
Kevin peleando en la escena clímax.
Mister Glass escapando, de manera un tanto irrisoria.
La muy cuestionable muerte de David Dunn

¿Qué puedo concluir? En mi opinión el director logró un cierre digno para su saga lo cual resulta sorprendente, sobre todo si tomamos en cuenta los desastres que tuvo este cineasta con cintas como The Happening.

¿Es la mejor saga fílmica? NO.
Pero sin duda es muy entretenida y me encanta encontrar referencias e inspiraciones del director para su obra y, hay que ser honestos, en este mercado saturado de adaptaciones de cómics, es refrescante encontrar a alguien que se arriesgó con una historia original y que la llevó a buen puerto, sin necesidad de un presupuesto multimillonario.

M. Night Shyamalan con los Dunn. Bien hecho, señor.

Espero sus comentarios y agradezco su paciencia al leer estas palabras. Pronto hablaremos de otras películas, cómics y demás temas que se puedan enmarcar dentro de Historia Contemporánea.

Escrito por Ricardo S. Rodríguez G.