Natalicio del cineasta Canadiense-Estadounidense George A. Romero
Hoy recordamos, en el día de su nacimiento, a uno de los cineastas más reconocidos y considerados de culto por los aficionados al séptimo arte, George Andrew Romero. De padre español y madre lituana, nació en Nueva York en 1940 y poseía además la nacionalidad canadiense debido a su residencia en el país del norte en los últimos años de su vida antes de su muerte el 16 de julio de 2017.
Romero realizaba filmes desde que era un joven y tenía consigo siempre su cama de 8 mm. Estudió cinematografía en la Universidad Carnegie Mellon de Pittsburgh y de inmediato se dedicó a filmar cortometrajes y comerciales hasta que fundó la productora Image Ten Productions, con la que grabó el que es su más grande obra y un absoluto hito cinematográfico.
Hoy en día, de hecho, en las películas, videojuegos, libros y hasta noticias (afortunadamente, falsas) una de las temáticas favoritas son los zombis y esto, sin exagerar, es seguramente cortesía de George Romero y su ópera prima, La Noche de los Muertos Vivientes. Escrita por el propio Romero y John A. Russo, y dirigida en solitario por Romero, fue estrenada en 1968 y marco un antes y un después en el cine de terror y en la historia del cine.
En resumen, relata la supervivencia de un grupo de personas en una granja, luego de que los muertos, súbitamente, toman vida y les persiguen. Si bien no se trata de la primera película de zombis, si es cierto que la maestría con la que Romero planteó sus zombis y los exhibió en pantalla marcó la pauta de como serán, desde entonces y hasta la última película o videojuego del género que hayas visto: caminan como si estuvieran sedados o mareados (, sí, como en The Walking Dead) o bien lo contrario, como superhumanos (Exacto, Train to Busan); su meta siempre es morder a los vivos y convertirlos en zombi. Además, un disparo o golpe firme a la cabeza, los detiene (o dos, como instruye Zombieland).
Romero continuo filmando películas, casi todas de temática similar, sin embargo, ninguna fue tan exitosa como La Noche de los Muertos Vivientes. Pese a ello, la trascendencia de esta asombró y guio a directores y escritores a nutrir y ampliar el género de terror y zombis, Para entender un poco del alcance de Romero no sólo en los cinéfilos, sino en sus colegas, cerramos esta conmemoración con las palabras que le dedicó Quentin Tarantino cuando le entregó el Premio a la Trayectoria de los Scream Awards (dedicados a reconocer las mejores películas, series y cómics de horror, ciencia ficción y fantasía) de 2009:
“Violencia de infarto, derramamiento de sangre explosivo, carnívoros no-muertos y necrófagos desmembrados. ¡Así es! ¡Estoy hablando de toda la mierda que amamos en el cine y todas las cosas buenas de esta maldita vida! Y es además la razón por la que estoy aquí esta noche. Para defender a uno de los cineastas más geniales, locos, aterradores y más grandes de Estados Unidos de todos los tiempos”: Quentin Tarantino.
Para saber más sobre Romero y su impacto en el cine, te recomendamos leer:
Hoy miércoles se cumplen 91 años del natalicio de Sir Thomas Sean Connery, actor y productor del cine británico nacido en Edimburgo, Escocia, el día lunes 25 de agosto de 1930.
Juventud
Connery nació en la capital de Escocia, Edimburgo, siendo hijo de un trabajador de fábrica (Joseph Connery) y una ama de casa (Euphamia ¨Effie¨ Maclean) conocido desde la infancia por su segundo nombre ¨Sean¨.
Tras tener su primer trabajo como repartidor de leche, se alisto a la Marina Real Británica en donde se hizo dos tatuajes que reflejan sus compromisos familiares, su familia y su Escocia. Poco después se le brindo la baja de la Marina debido a una ulcera péptica duodenal, tuvo diversos empleos previo a su decisión de convertirse en actor, pues además de ser un hombre atractivo, también tenía excelentes habilidades futbolísticas, mismas que incluso le valieron una oferta de un contrato con el prestigioso club inglés ManchesterUnited, sin embargo optó por declinar la oferta debido a que la carrera de un futbolista duraba hasta los 30 años como máximo, por ello decidió convertirse en actor.
Fama
El joven Connery comenzaría su ascenso a la fama como ayudante tras bastidores en el King´s Theatre a finales de 1951, para después participar en 1957 en su primer papel en No Road Back. El notorio avance de su carrera seria lento pero fructífero, desembocando en el papel que lo lanzaría al estrellato, James Bond, el implacable agente del servicio secreto británico creado por Ian Fleming, su aparición seria en la película Dr No en 1962. Baluarte de la industria cinematográfica por obras como Los Intocables De Eliot Ness, El Nombre De La Rosa, Corazón De Dragón, Indiana Jones y La Última Cruzada o La Roca, se termino jubilando en 2006 y saliendo de la escena publica en el 2011.
Connery falleció el dia 30 de octubre del reciente 2020 en Nassau, Bahamas.
Datos
En 1989 fue votado como El Hombre Mas Sexi Del Mundo según la revista Life.
Fue votado como ElHombre Mas Sexi Del Siglo en 1999 para la revista People.
En el 2000 fue nombrado Sir por la Reina Isabel II de Inglaterra
Todos en algún punto hemos oído hablar, a grandes rasgos, acerca de la Grecia Clásica y sus posterior conquista por el ejército romano creando así lo que se conoce como época Helenística ¿no? A esta época se dio una magnífica diversidad y choque de culturas entre ambos mundos, pero sobre todo dio lugar al alza y consolidación de lo que hoy conocemos como el Imperio Romano. Esta época ha sido fruto de grandes historias a lo largo de las décadas y los siglos. Desde manuscritos antiguos que hablan de su gran esplendor hasta pinturas que buscan enarbolar la magnificencia de su arquitectura, su mitología y su historia.
El cine, como todo arte, no se podría quedar atrás en crear una visión e interpretación de este periodo histórico, por lo que desde sus inicios ha buscado retratar, ya sea con exactitud histórica o sin ella, una nueva Roma, hogar de héroes, dioses y leyendas. Hogar de nuestra civilización. Nace el género Péplum. ¡Bienvenidos!
¿Qué es Péplum?
Antes de comenzar, quisiera abarcar brevemente el significado y la procedencia del peculiar término, de origen francés, “Péplum“. Esta curiosa palabra proviene de una técnica o formación en torno a la ropa que, usando pliegues amplios, hacían una especie de sobrefalda que abarcaba gran parte del cuerpo. ¿Han visto las túnicas que usaban los griegos? Pues eso es la moda Péplum que, como curiosidad, fue nuevamente añadida a la moda colectiva después de la Segunda Guerra Mundial por el famoso diseñador de modas Christian Dior y que, aún a día de hoy, sigue vigente en muchos vestidos, faldas y diversas variaciones de moda.
Cine Péplum
La definición, como género de cine, del término Péplum se dio a inicios de la década de los 60´s con el crítico de cine Jacques Siclier, con el fin de englobar aquellas producciones, muy arraigadas ya en la mente popular, cuya ambientación ocurría en la época clásica. Posteriormente el término fue ampliamente discutido al tener la incógnita de qué películas clasificarían como parte del término. ¿Por qué? Porque unos querían englobar el Péplum a lo fantasioso, mitológico y “aventurero” mientras otros querían incluir películas con mayor exactitud histórica. Al final, aunque aún hay ciertos debates, impero la idea del Péplum como género fantasioso, heroico y épico.
¿Qué podemos ver dentro del Péplum?
Por lo que, generalmente, lo que podemos ver dentro del Péplum tradicional es el singular camino del héroe. La historia suele dividirse entre un pueblo conquistado (el bueno) y un pueblo conquistador(el malo) sin detenerse en términos medios. Obviamente, al ser una época imperada por la religión, esta muchas veces se vuelve protagonistas de la historia siendo las religiones paganas las grandes antagonistas. Casi siempre, aunque no es norma, las intrigas políticas juegan otro papel fundamental dentro de la historia acuñando la ambición del poder, el egoísmo y la avaricia como símbolos del villano a vencer.
Pero sobre todo, lo que hacía atractivo a cualquier Péplum, son las batallas y la sensualidad. Nunca puede faltar las pasiones del protagonista. El erotismo y la violencia siempre vende, por lo que muchas veces estas películas se verán múltiples escenas con ambos atributos. Atributos que el protagonista busca vencer y que, en cierta medida, busca simbolizar cuál es el camino correcto y meta de todo “hombre” que haga el bien.
Orígenes
Hablar de los orígenes de este género, es hablar propiamente de toda la historia del cine de múltiples regiones del mundo. Sin embargo, para fines de limitación, pondremos a Intolerancia de D. W Griffith como la primera película, o antecedente, del cine Péplum. De hecho, a modo de anécdota, la película de Intolerancia surgió como una “disculpa” por parte del director después de haber dirigido la controversial, aunque técnicamente impresionante, película El Nacimiento de una Nación que retrataba una América del siglo XIX favorecida con la esclavitud y poniendo como héroes nacionalistas a los miembros del Ku Klux Klan.
Pues bien, Intolerancia, estrenada en 1916, retrata cuatro historias de distintas épocas y distintos personajes cuyo único factor común es el reflejo de la intolerancia a lo largo de la existencia humana. Aquí caben destacar dos historias: la crucifixión de Jesucristo y la caída de Babilonia cuya ambientación, por obvias razones, son claros primeros ejemplos del Peplum, al menos en el mercado occidental y el naciente Hollywood.
Aporte Italiano
Sin embargo no se puede dejar pasar al país en el que se asentó el Imperio Romano: Italia. Desde que llegó el cinematógrafo al país europeo, diversos entusiastas y visionarios se dedicaron a experimentar diversos géneros y modos de captar numerosas historias. Por supuesto su historia no podría faltar. Así que, algunos años antes que Hollywood, Italia inicio con este género fantástico. La primera fue, por supuesto, la adaptación de la Caída de de Troya que a su vez se basa, libremente, de la Ilíada de Homero. Estrenada en 1911 y dirigida por Giovanni Pastrone y Luigi Romano Borgnetto esta película, de alrededor de 30 minutos, busca representar la infiltración y la posterior construcción del Caballo de Troya por parte de los griegos con el propósito de incendiar lo que era para entonces una de las ciudades mas famosas del mundo
Todavía hablando del cine Italiano nos transportaremos a 1914, año en que se estrenó la monumental e impresionante Cabiria del señor Giovanni Pastrone. La historia, por primera vez en el cine, refleja una gran travesía por parte de una niña y su nodriza a lo largo de las terribles guerras púnicas. En ese viaje, como toda buena aventura, aparecen múltiples peligros; desde piratas, legiones romanas e incluso la erupción de un volcán. También este fue el filme que introdujo la tan famosa figura del héroe prodigioso siendo Maciste uno de los primeros héroes cinematográficos e incluso uno de los primeros spin-off con su película individual estrenada en 1915. Lastimosamente fue de las últimas producciones italianas, de esos años, por el surgimiento de la Gran Guerra.
La visión de Hollywood
Volvemos con Hollywood quién para el año de 1923 estrenó la primera versión de Los Diez Mandamientos y que daría inicio a una moda de adaptar pasajes bíblicos al cine. Como curiosidad el mismo director, Cecil Blount de Mille, hizo un remake de Los Diez Mandamientos para el año 1956 incluyéndole sonido y color. Ben-Hur era otra de las historias bíblicas que ya se habían adaptado en dos ocasiones, 1907 y 1925, antes de la tan famosa película de 1959. Pero sin duda una de las películas que definitivamente provocó el auge y la enorme expansión de las películas Péplum fue Sansón Y Dalila estrenada en 1949.
¿En que consiste la historia? Pues básicamente en que Sansón es un hombre que busca desesperadamente el amor. Dalila se enamora de él pero Sansón la rechaza y se casa con la hermana de Dalila. Por azares del destino, o de la familia de Dalila, la hermana de Dalila engaña a Sansón provocando que este se enoje y la mate. Dalila enfurecida jura venganza. Venganza que llega años después al encontrarse con Sansón y encausarlo con su belleza. Sansón cae rendido a sus pies pero, al igual que el relato bíblico, le cuenta a Dalila el origen de su fuerza: el cabello. Dalila en un momento de oportunidad le corta el cabello a Sansón y lo encadena a un templo. Sansón haciendo acopio de todas sus fuerzas logra destruir el templo matando a todos en el interior.
Esta es una de las primeras super producciones hechas en un Hollywood que ya estaba con una industria sumamente poderosa. El efecto de los paisajes, las grandilocuencia de los sets y la novedad del cine a color hicieron de esta película un parteaguas a lo que se le conoce como la Edad de Oro del Género Péplum.
Para 1951 tenemos la película Quo Vadis? que nos transporta a la tiranía del Emperador Nerón y retrata la persecución de los cristianos y del Gran Incendio de Roma. Fue una super gran producción que incluso llegó a estar nominada a los Premios Oscar, aunque lamentablemente no ganó ninguno.
Saturación
Para la década de 1950 empezaron las grandes explotaciones y saturación de este género. Películas como La túnica sagrada (1953) Alejandro Magno (1956), Los Diez Mandamientos (1956) Ulises (1954) y por supuesto la inigualable Ben-Hur (1959) protagonizada por Charlton Heston y dirigido por William Wyler. De hecho, se cuenta, que William únicamente hizo esta película por su eterna rivalidad con el ya consagrado director de cine épico Cecil B. De Mille. La película fue la mayor producción de la época construyendo sets inmensos (algo que se ve en la icónica batalla de cuadrigas) , contratando miles de extras y dando un buen de presupuesto. Todo el esfuerzo valió la pena ya que fue la película mas taquillera de todo el año además de ganar la cuantiosa cantidad de 11 premios Oscar, la mayor cantidad de premios otorgados en una película hasta 1997 con Titanic.
Para la década de 1960 la vertiente Péplum se dividió en dos sectores: el Péplum de cine B (películas de bajo presupuesto) y el Péplum de altos costes y altas producciones. El arquetipo del Péplum ya estaba formado y, como recordaran, fue en esta década cuando se definió el término cinematográfico. Tenemos películas como Cleopatra (1963) El coloso de Rodas (1961) Jason y los Argonautas (1963) entre muchas otras.
Sin embargo fue a finales de los 60´s cuando surgió un sucesor espiritual de este género, al menos en Italia, cambiando romanos por vaqueros y ciudades antiguas por desiertos y pueblos maltrechos. Por supuesto estamos hablando del Spaghetti Western género que empezó a invadir taquillas y por ende también las producciones. Es así que durante los 70´s y 80´s el género Péplum fue derivado a un segundo plano siendo el cine de clase B y el independiente los que hicieron que sobreviviera estos tiempos.
También es en esas décadas cuando surge una reivindicación del género Péplum yéndose mas hacia los tintas satíricos del propio género y no hacia el espectáculo de antaño. Es así que tenemos curiosas producciones como la famosa Jesucristo Super Estrella (1970) cuyo enfoque es mas hacia la parodia aunque aún conserva elementos Péplum como lo es la religión, el enfrentamiento político y en cierto modo la ambientación.
Renacimiento
En la década de los 90´s el Péplum, si bien no como antaño, volvió a relucir brevemente con producciones mayoritariamente televisivas y de formato casero. Series como La Odisea (1997) hicieron que el formato del Péplum fuera de nuevo rentable. Pero ahora destaca una nueva técnica: La animación. Así es, muchas compañías empezaron a enfocarse en el público infantil y juvenil con proyectos tales como Hércules de 1997, El príncipe de Egipto (1998) y José el Rey de los Sueños (2000). Esto hizo que para los 2000 diera paso a la nueva propuesta del género Péplum cuyo fundador fue nada mas y nada menos que Ridley Scott y su tan famosa película Gladiador (2000)
Hablar de Gladiador es hablar del inicio de una nueva época del género Péplum que volvía a retomar los grandes carteles, los altos presupuestos y las grandes batallas. La película nos pone en la piel del general Máximo quien es traicionado por su hasta entonces amigo Cómodo en un intento de conseguir el poder y la gloria de toda Roma. No sólo eso, sino que Máximo es capturado por vendedores de esclavos quien a su vez lo venden a Próximo un juerguista que apuesta por los gladiadores. Es así que Máximo, para poder obtener su venganza, se ve inmerso en una serie de luchas, peleas y choques de espadas que lo llevaran a la misma Roma; una Roma con serias cuestiones políticas como la usurpación del poder, las influencias del Senado y la militancia y colonización romana.
A partir del éxito de esta película, y sus nominaciones a los Oscar, surgieron nuevas adaptaciones del cine épico como Troya (2004) con estrellas como Brad Pitt, Orlando Bloom y Sean Bean, La Pasión de Cristo (2004) dirigida por Mel Gibson, 300 (2006) dirigida por Zack Snyder que a su vez es una adaptación del cómic de Frank Miller, Espartaco (2004) que a su vez es una “adaptación” libre de la película de Stanley Kubrick de 1960.
Cómo podemos apreciar el género Péplum, al igual que muchos otros géneros, ha sido sumamente variado a lo largo de los siglos. Si bien muchas de estas obras son adaptaciones enfocada mas a la fantasía que a la rigurosidad histórica, creo que es sumamente útil enfocarnos mas en la época en que salieron. ¿Por qué? Porque una popularización de un género implica una similitud ideológica entre la película y la audiencia. Así que es interesante ver cómo el género Péplum fue sumamente popular en una época que estuvo marcado con los conflictos políticos tales como la colonización, las nacientes dictaduras, las guerras mundiales o la guerra de Vietnam. Algo que se refleja en las películas.
Noir Detective
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Un día como hoy, pero de hace 61 años, el 16 de junio de 1960 se estrenaba lo que se considera como una de las obras maestras del director Alfred Hitchcock “Psicosis” en Nueva York. Una adaptación de la obra literaria homónima del autor Robert Bloch de 1959 la cual se inspiró en los crímenes de Ed Gein, un asesino en serie de Wisconsin.
Trama
La película comienza con Marion Crane, una oficinista de una inmobiliaria, charlando con su novio Sam Loomis, respecto a que ella aún no se puede casar con él debido a sus deudas, así que le sugiere a Sam que se haga cargo de sus gastos pendientes mientras ella regresa a su oficina. Ya en su trabajo, un cliente hace un depósito de 40,000 dólares y se le encomienda la tarea a Marion de ir a depositar la suma al banco, a lo que ella inmediatamente acepta y decide pedir el resto de la tarde libre bajo el pretexto de tener un terrible dolor de cabeza.
Marion decide robar el dinero, y llevárselo a Sam para que así él pueda pagar sus deudas y se casen después, sin embargo las cosas no salen como esperaba Marion y decide, después de tener problemas con las carreteras y huir de la policía a descansar en un motel al lado de la carretera local, el Motel Bates, mismo que es atendido por un caballero de nombre Norman Bates, Marion decide registrarse bajo un nombre falso y se le asigna la habitación 01, además de que Norman le ofrece de su cena para que Marion no salga a la lluvia. Marion acepta gustosa, sin embargo alcanza a escuchar una discusión entre Norman y su madre, la cual no acepta que una mujer como Marion ingrese a su casa, a lo que Norman decide llevarle leche y unos bocadillos mientras le cuenta a Marion de su historia, su gran afición a la taxidermia y como su madre no le permite ser independiente. Está charla le abre los ojos a Marion y decide devolver el dinero al día siguiente, sin embargo, decide tomar una ducha antes de acostarse, pero es sorprendida por una silueta similar a la madre de Norman, la cual le asesina con un cuchillo. Norman se percata de esta situación y está seguro que su madre es la culpable de esto, así que decide limpiar e inmediatamente ocultar el cuerpo de Marion en el maletero de su auto, sin darse cuenta de la cifra robada, hunde el automóvil de Marion en un pantano cercano.
Legado
Esta obra fue la precursora del cine gore, fue bastante elogiada debido a sus escenas llenas de suspenso y dramatismo, si bien no ganó un Oscar, ha sido ubicada en el puesto 11 de las mejores películas de la historia según Entertainment Weekly.
Tras la muerte de Alfred Hitchcock, se produjeron tres cintas más, que si bien, no son tan buenas como la primera, son consideradas buenas películas además de contar con una serie considerada como precuela. Ha sido una película referente en la cultura popular, claro ejemplo son las constantes referencias de la película en los Simpson, donde incluso se compara la relación del Director Skinner con su madre así como de Norman con la suya. La película es notablemente recomendable, sin duda alguna, una obra maestra del cine por parte de Alfred Hitchcock.
Star Wars Episodio III- La Venganza de los Sith fue la sexta película estrenada de la saga de Star Wars, siendo la tercera en la trilogía de precuelas. Es la primera película de Star Wars con clasificación “PG-13”. La película tiene una duración de 140 minutos y tuvo un presupuesto de 113,000,000 dólares, recaudando a nivel mundial la una increíble cifra aproximada de 850,000,000 dólares. Esta película se estreno en el “Festival De Cannes” el domingo 15 de mayo del año 2005 y su estreno a nivel mundial se dio el jueves 19 de mayo del mismo año.
Esta historia se desarrolla tres años después de La Guerra De Los Clones en donde los Caballeros Jedi al mando del Ejército Clon sigue luchando contra los Separatistas Galácticos. El Canciller Palpatine ha sido capturado y se les encomienda a el Maestro Jedi Obi-Wan Kenobi, acompañado de su aprendiz Anakin Skywalker la misión de rescatar al canciller y también de eliminar al los líderes Separatistas, el Conde Dooku y el General Grievous, para ya culminar con el conflicto galáctico.
Las cosas no se dan como esperaba debido a que el Canciller Palpatine se revela después como DarthSidous y convence a un confundido Anakin Skywalker de unirse al lado obscuro después de participar en la muerte del Maestro Jedi Mace Windu, Anakin traiciona a Obi-Wan y toma el nombre de Darth Vader y recibe órdenes de matar a todos los prospectos a Jedi además de darle órdenes a los Clones de asesinar a todos los Maestros Jedi.
Mientras tanto Padmé Amidala se entera de la traición de su esposo e incrédula se reúne con él, para percatarse que lo dicho por Obi-Wan es cierto. Después de una feroz batalla entre los Maestros Jedi Obi-Wan y Yoda contra Darth Vader y Darth Sidous respectivamente, Padme da a luz a Leía y Luke, para después fallecer y decirle a Obi-Wan que aún hay bondad en Anakin.El Maestro Jedi Yoda se exilia en Dagobah esperando a que los hijos de Anakin crezcan y sean la nueva luz que venza al lado obscuro.
¿Qué debe tener una película para ser considerada buena? ¿Basta con tener excelentes actores y dirección? Evidentemente la trama y los efectos son imprescindibles, pero el trabajo de fotografía y de la banda sonora no se quedan atrás… Hoy hablaremos sobre una película que cumple con éstas y muchas otras características y que, sin embargo, no es muy recordada. Nos referimos a Cloud Atlas.
El contexto
La película, inspirada en la obra homónima del autor David Mitchell, fue estrenada en el 2012, tuvo una buena recepción por parte de la crítica, pero una muy mala calificación en el tomatómetro por parte de los fans. Fue dirigida por Lily y Lana Wachowsky, y presenta las magníficas actuaciones de Tom Hanks, Halley Berry y Hugo Weaving entre otros. Explicar dónde o cómo empieza y termina esta historia es algo bastante complejo, debido a que la película nos narra seis relatos aparentemente individuales, cada uno con su propio tiempo y su propio espacio, y están alejados uno del otro por espacio de algunos años hasta varios siglos y miles de kilómetros.
¿Cómo entender la trama?
Cronológicamente hablando, la primera historia es la del abogado Adam Ewing, quien se encuentra en un importante viaje de negocios en un tiempo en que la esclavitud era perfectamente legal en gran parte del mundo occidental. Su travesía se verá afectada seriamente luego de que el médico de abordo le diagnostique una peligrosa enfermedad que debe ser tratada cuanto antes, al tiempo que descubre a un inesperado polizón en su camarote. Todo esto llevará a al sr. Ewing a tomar una serie de decisiones que podría llegar a alterar el curso de la historiay que, sin saberlo, podría generar un eco que resonaría a través de los siglos.
La segunda historia
Para el segundo relato nos trasladamos a una Europa en vísperas de la Segunda Guerra Mundial, en donde un talentoso pero rebelde estudiante de música, llamado Robert Frobisher, intercambia cartas con su amante SIxmith, de quien tuvo que separarse para convertirse en el asistente de un renombrado compositor y aprender todo lo que pueda de él. Esta historia se encuentra tan sólo a unas cuántas décadas de la siguiente, en la cual vemos a una joven reportera de los 70 luchar contra viento y marea por seguir el hilo conductor de su revolucionaria investigación, la cual podría revelar un complot con el potencial de arruinar o salvar la vida de cientos de miles de personas.
A esta historia le sigue la “espantosa” aventura de Timothy Cavendish, un editor que se ve en la necesidad de esconderse por un tiempo en lo que arregla una complicada situación con los familiares de un cliente enfurecido. Este relato toma lugar en el Reino Unido y es el más cercano a nosotros en cuanto a tiempo, ya que se sitúa en el presente inmediato y podemos notar unimportante contraste de tecnologías, situaciones y costumbres con respecto al de las demás historias. Como te habrás dado cuenta, a partir de este punto las película ya no nos narra hechos pasados o presentes, sino que las próximas dos aventuras toman lugar en el futuro, la primera en un futuro no muy lejano, y la segunda… bueno, dejaremos que lo descubras.
El futuro
En la distópica y futurística ciudad de Neo Seúl, una joven mesera genéticamente modificada de nombre Sonmi descubre un oscuro secreto de una de sus compañeras. Lo que ella no sabe es que está a punto de verse involucrada en una violenta lucha entre la Resistencia y la Unanimidad. De esta historia es muy destacable la propuesta sobre lo que podríamos vivir en el futuro, los conflictos éticos y sociales que los avances tecnológicos pueden generar, los cambios geográficos que sufre la Tierra, la evolución de los lenguajes que hoy en día hablamos, y la nueva censura a libros, películas y autores.
Finalmente tenemos la historia de Zachary, un habitante de El Valle, quien carga una gran culpa debido a su egoísmo y falta de valentía. Su vida da un giro inesperado cuando una extraña pide alojo en su casa y le presenta una oportunidad para redimirse… pero, ¿la tomará?
Todo está relacionado
La narrativa de esta película es simplemente asombrosa, ya que una historia no espera a que termine la otra para iniciar su propio relato, sino que vemos escenas de todas las historias escalonadamente, pero en orden, y nos corresponde a nosotros ir armando el rompecabezas. Probablemente te preguntarás qué relación existe entre un relato y otro, o entre todos los personajes que ahí aparecen, si es que lo hay. Pues bien, dicha relación aparece sutilmente en cada una de las historias, y es presentada a la audiencia por medio de pequeños detalles, más o menos ocultos pero con un enorme simbolismo.
Estos detalles pueden ir desde el título de una obra, una carta o un video, hasta el soundtrack que escuchamos en el fondo o una marca en la piel de los protagonistas, pero una vez concluida la película nos podemos dar cuenta que la relación que existe entre todos ellos, por muy sutil que sea, termina siendo uno de los más importantes elementos de la trama y lo que hace que todo tenga sentido al final.
Es muy importante destacar que ésta no es una película “para pasar el rato“; su trama es bastante compleja y es necesario prestar atención a cada detalle si lo que queremos es entenderla a profundidad. Cada escena está llena de referencias, los mismos actores interpretan varios papeles, se citan autores y se mencionan personajes que aparecieron solo brevemente, por lo que recomendamos que veas esta película más de una vez para que puedas encontrar todos los “easter eggs” que ahí se encuentran.
Si no has visto la película y esta entrada te ha motivado a hacerlo, te agradecemos por haber llegado hasta aquí y te sugerimos que no leas todavía la siguiente parte, ya que contiene algunos “spoilers“. Si ya viste la película y te interesa conocer algunas de nuestras interpretaciones y compartir tus puntos de vista, ¡Bienvenido! Te invitamos a participar en los comentarios.
El viaje del héroe
¿Qué es esto? Pues es una serie de acontecimientos que le ocurren al protagonista de la mayoría de las historias y que nos permiten entender mejor su desarrollo, una de las mejores explicaciones sobre este fenómeno nos lo otorga Joseph Campbell en sus distintas obras. Entre estos acontecimientos se encuentra un rechazo del protagonista por cumplir la misión que se le ha asignado, una serie de pruebas que debe vencer para cumplir su objetivo, en las cuales no solamente se pondrán a prueba sus capacidades físicas, sino también intelectuales, sus valores y su fuerza de voluntad; y finalmente, el cambio que sufre el protagonista al final de su historia, siendo tal que ya no encaja en el mundo al que estaba acostumbrado.
En Cloud Atlas podemos apreciar a varios personajes que desarrollan su propia travesía del héroe, siendo la más visible y significativa la que llevan a cabo los personajes interpretados por Tom Hanks. La primera vez que lo vemos es el médico que está supuestamente curando al sr. Ewing de su infección, pero más tarde se nos revela que en realidad se trata de un macabro individuo, dispuesto a hacer cualquier cosa para su propio beneficio, como lo es envenenar a su propio amigo con tal de apoderarse de su oro.
Además de esto, vemos que uno de los primeros actos que nos muestra su verdadera naturaleza, es cortar uno de los botones azules del chaleco su paciente y guardarlo en su bolsillo. En esa historia, su personaje muere sin posibilidad de redención; sin embargo, podemos ver que en sus siguientes vidas su carácter se va suavizando y se preocupa un poco más por el prójimo, como sucede cuando ayuda en la investigación sobre la planta nuclear; aunque también lo vemos recaer en la violencia, y la maldad, como cuando en otra vida asesina al crítico destrozó su obra. Finalmente vemos que el personaje se redime en la última historia, cuando sigue los consejos de la abadesa y ayuda a la forastera en múltiples ocasiones, poniendo en riesgo su propia vida para salvar la de ella y logrando así completar su misión.
Ahora bien, es sorprendente el hecho de que ahí podemos ver dos viajes del héroe en un mismo personaje, ya que Zachary no solamente está cambiando como persona, sino que está enmendando los hechos cometidos por sus vidas pasadas, concepto que toma sentido cuando en la última escena se nos muestra que todo el tiempo ha llevado consigo el mismo botón del chaleco que le robó al sr. Ewing muchos siglos atrás.
La conexión entre personajes
Si algo queda claro después de haber visto la película, es que todos los personajes están conectados entre sí, no solamente con las personas de su propio relato, sino también con aquéllos del futuro y del pasado. Esto se nos muestra de diferentes maneras, siendo tal vez la más visible de ellas el lunar con forma de estrella fugaz que todos los personajes tienen y que nos enseñan en algún momento; pero hay otros elementos más sutiles en los que esta relación se hace visible.
Un ejemplo de esto sería el hecho de que el final de cada historia (excepto tal vez la última), resulta con una obra publicada por su protagonista o alguien cercano a él; y dicha obra es leída o consultada por los personajes de la siguiente historia en orden cronológica. El viaje de Ewing es relatado en su diario, el cual se publica y es leído por Robert Frobisher más adelante. Luisa Rey lee las cartas que Robert intercambia con Sixsmith y se interesa por escuchar el Atlas de las Nubes en sexteto. Timothy Cavendish, cuando viaja en el tren, lee la historia sobre Luisa Rey, escrita por el niño a quien le cuenta sus aventuras. La película que resulta del relato de Timothy es vista por Somni en el futuro distópico; y las reflexiones filosóficas que ella emite son consultadas por Zachary, tanto en forma de manuscrito como en el video transmitido a las colonias extraterresteres.
Conclusión
Finalmente, queremos mencionar que el soundtrack de la película es una obra maestra, cuenta una historia por sí mismo, nos acompaña a lo largo de la historia y nos ayuda a disfrutar mejor el relato de cada uno de los personajes que en ella parecen.
Estos son algunos elementos que consideramos destacables de la película, pero nos interesa escuchar qué opinas, ¿Te pareció buena? ¿Has encontrado más detalles que te gustaría compartir? Cuéntanos lo que piensas en los comentarios.
-El Erudito
Bibliografía
Mitchell, David, “Cloud Atlas”, Random House, Estados Unidos, 2004.
Cloud Atlas, película del 2012, dirigida por Lana y Lily Wachowsky.
Cuando pensamos en los movimientos artísticos mexicanos del siglo XX, surgen nombres de sobra conocidos como Rivera, Siqueiros, Orozco o Kahlo, incluso personajes no tan prominentes como María Izquierdo o Ángel Zárraga disfrutan de una mayor fama que otros agentes culturales que fueron claves para el desarrollo plástico por el cuál nuestro país es valorado. Uno de ellos fue Adolfo Best Maugard que, aunque el nombre no nos dé pista de eso, es más mexicano que el chile.
Artista plástico, estudioso del dibujo, profesor de arte, director de cine, camarógrafo, escritor, pensador y promotor de la cultura mexicana, son algunas de las áreas en las que Best Maugard no sólo incursionó, sino también destacó y estableció tendencia en la nueva pedagogía artística.
Tomaría bastante tiempo ( y caracteres) para describir todas las facetas de este artista, por lo que he decidido presentarlo en cinco momentos emblemáticos que experimentó durante su carrera. Una probada, antes del plato principal.
Un caballero defensor de lo mexicano hacia el mundo
Best Maugard, conocido por sus amigos como “Fito Best”, pertenecía a la élite favorecida por el gobierno porfirista y era descendiente de raíces inglesas y francesas. Probablemente a causa del hartazgo de ver a Europa como modelo de belleza y civilización, Adolfo buscó incansablemente apropiarse de “lo mexicano” y promoverlo en escenarios internacionales a través de sus múltiples contactos.
Ejemplo de ello fue su participación con la bailarina rusa Anna Pavlova para la realización de su Fantasía Mexicana, una serie corta de bailes folklóricos en la que el Jarabe Tapatío tiene un participación central. Best Maugard diseñó los decorados y vestuarios además de intercambiar ideas con la bailarina para su performance.
El resultado fue una estremecedora presentación en el Teatro Abreu el 25 de enero de 1919 y causó fascinación entre los espectadores. La bailarina mexicana Josefina Lavalle, comentó acerca de este acontecimiento:
“Cuando Madame Pavlova bailó nuestro Jarabe Tapatío en punta, nos hizo dar cuenta, a todos los que estábamos en la audiencia, de cuán elegantes y bellos pueden ser los bailes populares de nuestro país.”
Retrato de Anna Pavlova, por Best Maugard. 1925
Un promotor de la inversión extranjera a través de la palabra
Una de las relaciones más fructíferas que Best Maugard cosechó fue la que tuvo con la periodista estadounidense Katherine Anne Porter. En sus múltiples viajes a México, tuvo contacto con los artistas de la época, entre ellos Fito Best, el cual había desarrollado un método artístico basado en el uso de antiguos diseños aztecas encontrados en templos, orfebrería, cerámica, etc. compilándolo todo en un libro titulado Método Best.
Esto inspiró a Porter a realizar un ensayo fotográfico para la Magazine of Mexico (de la cual era directora general) encabezado como “Mexican Artists Interprets Mexico” el cual tenía el objetivo de incentivar la inversión extranjera por parte de empresas norteamericanas hacia México. En este proyeto se muestran escenas costumbristas, fotos de barrios ampliamente conocidos, retratos tanto de burgueses como proletarios e imágenes consideradas típicas como un niño con sombrero o un jinete vestido de charro.
Imágenes de “Mexican Artist Interprets Mexico.” por Katherine Anne Porter, 1921
Aportaciones al vocabulario de las artes y la vida cotidiana
Best Maugard perteneció a un momento de transición entre el mundo análogo y la modernidad. En la primera mitad del siglo XX, el eje del arte hacia Europa como centro de la expresión artística, poco a poco fue perdiendo protagonismo y ahora el territorio americano tenía la atención de los creadores.
Esto alentó a Maugard a conformar un nuevo estilo de dibujo basado en los diseños prehispánicos y las artes populares mexicanas que también derivó en un método pedagógico. Método de dibujo. Tradición, resurgimiento y evolución del arte mexicano, resultó ser la propuesta oficial no sólo para aprender a dibujar, sino también para aprender a ver. Construyó un alfabeto visual de siete elementos extraídos de las raíces mesoamericanas, las cuáles él consideraba como “la génesis del dibujo mexicano.” La constante práctica de estos símbolos, daba oportunidad al dibujante de ir avanzando en complejidad y ver sus creaciones tanto en papel como en objetos de uso común como muebles o juguetes.
Los siete elementos del método del dibujo de Best Maugard y sus combinaciones. 1989
Censor de la imagen hablada: el cine
Nuestro querido Fito Best no limitó su trabajo solamente a las artes plásticas, sino que tuvo interesantes incursiones en el mundo cinematográfico. Su primera colaboración relevante fue al convertirse en censor de la película de Sergei Eisenstei, ¡Qué viva México! posición que le permitió ayudar al director ruso a retratar con mayor fiabilidad cultural algunas de las escenas y costumbres del territorio mexicano, además de aportar nuevas perspectivas compositivas gracias a sus fotografías y la participación de otros artistas como el muralista Roberto Montenegro.
Dicha experiencia lo motivó a en 1933 crear su primer documental Humanidad que lo hace debutar como cineasta. El tema principal era retratar la gestualidad de los individuos y de ser posible, divulgar las actividades de beneficencia por parte del gobierno. Fue recibido con gran clamor y elogios como los externados por el pensador Manuel Rodríguez Lozano:
Es una película mexicana en la que Best cuaja verdaderos trozos de belleza sin sofisticar, sin ese sentido de falsedad y convencionalismo que generalmente tienen las películas norteamericanas.
Cartel de la película “¡Qué viva México!”, 1930
Filosofía a través del retrato
Posterior a su trabajo cinematográfico, Best Maugard regresa a la pintura de caballete pero con el firme objetivo de plasmar su pensamiento filosófico mediante la realización de retratos. Se dedicó a inmortalizar a personajes emblemáticos de la sociedad mexicana como el Dr. Atl, la actriz Dolores del Río o al caudillo Emiliano Zapata.
No obstante estos no son retratos naturalistas, son rostros que miran de frente apelando así a la mirada del espectador, acompañados de un fondo neutro que hace alusión a la espiral del tiempo, elemento teosófico que marcará pauta en los próximos años de su carrera. Sus pinturas pretenden con esos ojos enormes, “mirar lo no mirado”, lo trascendente e inmaterial tanto del que observa como del observado.
Dolores del Río posando junto a su retrato hecho por Best Maugard. 1954
Como vimos hasta ahora, Adolfo Best Maugard fue un admirador de lo que él consideraba “Lo mexicano” y se dedicó a promoverlo por lo que es posible que el imaginario extranjero acerca de México sea en gran medida gracias a él. En un momento histórico donde todos veían a Estados Unidos como la nueva potencia artística, hubo un hombre que apostó por la sensibilidad, colorido y riqueza de la cultura mexicana, tanto así que desarrolló un nuevo lenguaje universal a partir de las raíces particulares de una región.
– Momo
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Dicen que una imagen vale más que mil palabras y es justo en nuestro siglo donde esa frase retumba aún más fuerte dentro de la memoria colectiva. Ante la importancia que en la actualidad tienen las imágenes cinematográficas en los procesos de construcción de la memoria individual y colectiva de la identidad realizó esta pequeña reflexión acerca del impacto del séptimo arte en la percepción histórica.
El cine nace en 1895 y desde entonces se convirtió en un medio de expresión privilegiado de nuestra época. Se constituye en un medio de comunicación masivo, propio de la sociedad urbana industrial, capaz de influir en la forma que las personas estructuran el mundo. En síntesis, se vuelve parte de la cultura de masas.
Sus imágenes constituyeron a lo largo del siglo pasado y en lo que ha transcurrido del actual, un inmenso laboratorio para la reflexión no solo de los historiadores si no de las demás ciencias sociales, de este modo, la tarea de investigar el devenir de los procesos socio históricos cuenta hoy con este inestimable recurso provisto por la ciencia y la tecnología modernas.
L’Arrivée d’un train en gare de La Ciotat
Cine como parte de la historia.
El cine se convirtió, sin duda, en el arte que mejor expresa las contradicciones y el devenir de la vida moderna, porque surge como una tecnología que permite la circulación, la movilidad de la mirada y la restitución de lo efímero, pero también como un medio de expresión constitutivo de una nueva colectividad, esto es, un tipo de público receptivo a las imágenes y con una mirada capaz de asumir la dificultad de percepción del espacio y el tiempo que la modernidad trae consigo.
Las películas nos brindan otras versiones del pasado y son considerados como “memorias relevantes” que reclaman ser tenidas en cuenta a la hora de reconstruir los hechos históricos. El cine nos aproxima al pasado de una forma especial y por lo mismo exige un ejercicio interpretativo crítico por parte del sujeto y la sociedad que lo mira.
Historiadores y el cine.
Los historiadores han discutido sobre el valor de estos documentos ágrafos y, como parte de esta discusión, analizan la importancia de la interpretación de acontecimientos históricos en la sociedad moderna orientada preponderantemente hacia las imágenes. Tanto las fuentes escritas como los testimonios cualitativos y artístico-culturales son herramientas que se complementan permitiendo una reconstrucción multilateral, brindando distintas perspectivas de abordaje que pueden contribuir a plantear nuevos interrogantes en los temas investigados.
La imagen cinematográfica nos proporciona fragmentos y pequeños vestigios del pasado, que en su diálogo con el presente nos permiten establecer vínculos con lugares cercanos o lejanos a este último. La lectura que se haga de las imágenes cinematográficas dependerá de la sociedad que las mire y de quienes crean que ellas constituyen una huella de la historia, pero una huella muy particular, pues a lo largo de su historia el cine ha construido una memoria que le es específica, que no nos muestra ”lo real” en sí mismo o en estado bruto sino que como artefacto retórico se ha consolidado como un medio creador de sentido.
Cine como medio de crear historia
El cine puede ser una vía legítima de hacer historia, de representar, interpretar, pensar y dar significado desde las huellas del pasado. La historia no debe ser reconstruida únicamente en el papel, ya que a través de elementos como el sonido, la imagen, la emoción y el montaje, una película ofrecería otras versiones de los hechos y puede hacernos reflexionar sobre los mismos. La historia, aunque ciencia humana de lo particular y lo concreto, no puede entender el pasado sin crear abstracciones como revolución, progreso, modernización. Pero a diferencia de la palabra, la imagen fílmica no puede abstraer o generalizar. Esta es una característica de la representación fílmica del pasado: explicarlo a través de individuos, actuando dentro del proceso histórico, padeciéndolo o intentando transformarlo.
El cine como artefacto cultural e ideológico y medio de comunicación masivo, ofrece al historiador múltiples perspectivas de análisis: como documento histórico, versión fílmica del pasado, como recurso didáctico, sistema significante, y lugar de la memoria y del imaginario social. Todas ellas constituyen espacios de encuentro, de intersección entre estas dos prácticas y determinan la conformación de un nuevo campo explorado por los investigadores que valoran las imágenes en movimiento como elementos relevantes para la construcción del saber histórico.
-Barbarella
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Mejor dicho: una película histórica que no cumple caprichos.
La I Guerra Mundial fue un conflicto que trajo repercusiones que no se imaginaban sus protagonistas cuando iniciaron los enfrentamientos en 1914.
Sí, es evidente que fue un enfrentamiento que se centró en gran medida en Europa, pero tuvo distintos encuentros y repercusiones en Asia, África, América y en alguna medida en Oceanía también. De igual manera, hubo soldados de los cinco continentes envueltos en la conflagración.
Empero, esto no quiere decir que la participación de estos soldados coloniales haya sido la abrumadora mayoría dentro de las filas militares. Fueron aproximadamente 4 millones de tropas de origen colonial los que combatieron en Europa, de los 42 millones de personal movilizado por las Potencias Aliadas-incluyendo ya a EUA–
¿Entonces cuál es el problema de crear una película que se centra en dos soldados ingleses? Fácil, en estos tiempos de inclusión, se quiere imponer una visión que no es necesariamente la que ocurrió en su momento. Reitero: hubo soldados de distintas nacionalidades en los frentes, pero eso no quiere decir que las tropas caucásicas fueran inferiores en número.
Esto me puso en alerta, porque pensé que era un chiste de mal gusto, pero no, alguien se tomó la molestia de escribir ésto y otros asuntos “problemáticos” con 1917, los cuales pueden consultar a continuación:
Por un lado, hablan de que se exacerba el nacionalismo y lo comparan con Donald Trump... ¿por qué insisten en creer que todo lo malo del mundo tiene que ver con el Presidente de EUA? Ya solo faltó que nombraran a la película como fascista… Retomando el hilo, el autor del primer artículo es evidente que no sabe de lo que habla y que no entiende lo que es el nacionalismo.
La I Guerra Mundial fue un conflicto donde jugaron un gran papel las nacionalidades Y LOS IMPERIOS. Reducirlo a una sola causa es ignorante, torpe, malintencionado y simplemente estúpido. Nuestra visión actual del mundo NO PUEDE ADAPTARSE A UN EVENTO DE UNA CENTURIA.
Por ello, tenemos que entender que el director de 1917, Sam Mendes, es nieto de un veterano de la I Guerra Mundial y decidió que iba a contribuir con su visión de este conflicto, así como buscar darle un lugar a las personas sikh que participaron en el enfrentamiento.¿Lo logra? Yo creo que sí, aunque es evidente que NO ES DEL TODO SU INTENCIÓN.
Obvio, puede haber más gente de ese tipo en otro filme, pero como NO ES EL OBJETIVO de nuestro director, no debería haber mayor problema. Su visión es mostrar una historia que es a la vez personal , así como atemporal y lejana a él: son dos personas en la búsqueda de cumplir una misión y evitar una mayor desgracia. Pudo haber sido otro lado, otro contexto, otra historia… pero el director quiso que fuera la I Guerra Mundial.
¿Entonces qué debemos hacer?
He aquí las preguntas del millón:
¿Necesita cuotas de género?
¿Necesita cuotas de inclusión de personas de diferentes orígenes?
¿Por qué no? Porque la historia y la forma en que se cuentan las narrativas es una cuestión subjetiva, que no está ni debe estar sujeta a los caprichos, deseos y agendas de colectivos en específico, salvo las intenciones de sus creadores originales, como lo es esta cinta.
Y en cuanto a lo que es la disciplina histórica, ésta va más allá de los deseos de colectivos y grupos de interés, puesto que se sustenta en relatos, historias, narraciones, documentos y fuentes que muestran algunos fragmentos de la realidad, que pueden ayudarnos a difundir la enseñanza del pasado.
¡OJO! No digo que no se permita a actores de distintas nacionalidades y orígenes representar a otros personajes, pero tampoco de trata de caer en ridículos como Aquiles en Netflix , Thomas Randolph en Mary, Queen of Scots o Black Canary en la mediocre Birds of Prey.
No es cosa de “justicia social”, sino de no sacarse de la manga cosas solo por ser políticamente correctos. Si a mí se me ocurriera poner a Ryan Gosling como Martin Luther King, sería crucificado cuando menos.
Pero mientras escribo estas líneas, más y más tonterías son pensadas dentro de las ideas de la decolonialidad que es llevada al absurdo, junto con otras corrientes que no me molestaré en mencionar, porque no merecen mucho más de mi tiempo.
¿Mi conclusión? Disfruten las películas históricas, vean donde tengan errores, anacronismos, ríanse de sus tonterías y exijan que no les impongan una visión desfasada, en aras de ser “incluyentes”
-Hal Jordan.
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He de reconocer que disfruto mucho ir al cine. Me apasiona, para dejarlo claro. No sé si tenga o no buen gusto, pero sé cuando algo me gusta, me es ameno o me deja “algo” en qué pensar. En esta innecesaria introducción, quiero dejar claro que este breve análisis no es objetivo ni de alguien versado en el arte cinematográfico, sino meras opiniones, fundamentadas con las de otros personajes más o menos conocedores del tema.
La película que quiero analizar en esta primera parte destaca por su originalidad y atemporalidad: UNBREAKABLE(2000) ¿Por qué la menciono como original y atemporal? Primero, por la forma de abordar a un superhéroe, no como un ser perfecto, sino defectuoso, inseguro, con problemas REALES y un sinfín de pormenores que lo hacen HUMANO, a pesar de ser alguien EXTRAORDINARIO. Y es atemporal, porque los personajes de historietas en muchos casos son un símil a dioses, tal como lo han abordado otras películas -por ejemplo, Man of Steel, Wonder Woman, Thor…-
Esta cinta fue escrita, producida y dirigida por M. Night Shyamalan, quien es uno de los directores cinematográficos más polémicos de los últimos años. Tras haber saltado a la fama mundial con Sixth Sense, tuvo una serie de éxitos y tropiezos que lo hicieron objeto de burla de críticos y de internautas por igual. En esta entrada, analizaremos su segundo largometraje y las peculiaridades que un servidor ha encontrado.
Nunca sucedió, pero así se creía.Bruce Willis y Samuel L. Jackson: protagonistas de Unbreakable
La cinta es protagonizada por Samuel L. Jackson y Bruce Willis, quienes muestran una química muy interesante y que nos mantiene pegados a la butaca, hasta su revelador y muy interesante final. El filme inicia con el nacimiento de Elijah Price, un niño que padece la condición llamada osteogéneses imperfecta tipo I, que hace que sus huesos sean muy frágiles y proclives a fracturarse. De hecho, su madre alumbra al infante con sus extremidades fracturadas, lo que marcará el resto de su vida.
Posteriormente, la película nos presenta al protagonista, David Dunn, un hombre común y corriente, quien labora como guardia de seguridad de un estadio en Filadelfia-la ciudad cliché de Shyamalan-. Éste aborda el tren de su ciudad a Nueva York y tras unos minutos de haber iniciado el viaje, se descarrilla y mueren cientos de personas, quedando solo un sobreviviente: ÉL. Pero no solo sobrevive, sino que sale ILESO del percance que costó la vida a virtualmente todos los pasajeros. Tras esto, encontrará una peculiar invitación de un lugar llamado Limited Edition que le pregunta: ¿Cuántos días de tu vida has estado enfermo?
Pregunta importante…
Tras meditarlo, descubre que no recuerda haber estado enfermo y es ahí donde se detona la trama, pues David buscará respuestas ante su extraña condición, mismas que espera encontrar en esa extraña invitación…
Posteriormente, la cinta nos muestra un recuerdo del joven Elijah, con un brazo roto y deprimido, ya que todo mundo le dice MISTER GLASS, debido a su fragilidad crónica. Su madre, para alentarlo, decide regalarle “algo” que se encuentra afuera de su casa: UN CÓMIC. Esta acción será el catalizador de vida del niño. Quisiera que notaran que se parece MUCHO esa publicación a otras: Action Comics 1 y Detective Comics 1. Los pongo a continuación para que se hagan un criterio.
Active Comics-Unbreakable-
Action Comics 1
Elijah creció y se se volvió un hombre sumamente culto, miembro respetable de la sociedad y un curador-propietario de la galería ya mencionada, la cual se especializa en arte y demás producciones alrededor de los cómics o historietas. Su tarjeta de presentación trae al personaje de la tira cómica de Active Comics y nos muestra su minimalismo y su gusto por el color morado-mismo que es representado en su vestimenta Y EN VARIOS MOMENTOS DE LA PELÍCULA.-
La tarjeta de presentación de la galería.
Una de las escenas que personalmente encuentro más interesantes del filme es cuando un potencial cliente está a punto de comprar el boceto del cómic que apreciamos y Elijah, quien se detuvo a explicar los detalles artísticos de la obra, entra en shock cuando se entera que lo quiere comprar para su hijo de 4 años. Le niega la compra diciéndole: ESTO ES UNA PIEZA DE ARTE. ¿Creen que los cómics sean artísticos? Porque la cinta también nos deja ver ese debate que hasta el día de hoy no se ha resuelto.
Una galería realmente elegante para un tema que muchos considerarían pueril.
Aquí debemos preguntanos, ¿por qué Elijah tiene una galería de este tipo? ¿Por qué buscó a David? Bueno, la respuesta es hasta cierto punto sencilla, pero igualmente compleja: Si existe alguien tan frágil como el primero… ¿no debería existir su antítesis? Esa es la hipótesis del peculiar galerista y que se la imprime al superviviente cuando se conocen. Cabe mencionar aquí que Elijah le comenta a su invitado que en los tres graves accidentes que se mencionan dentro de la película, ha estado esperando que se reportara la supervivencia de al menos una persona. Dicho esto, cuando se enteró de que el guardia había podido salir ileso del descarrilamiento ferroviario, no pudo evitar buscarlo.
Este último, que está en un modo de tristeza permanente, no puede creer en un principio lo que le dice su contraparte y decide ignorarlo. Cabe señalar que nuestro protagonista tiene miedo al agua por un accidente que tuvo cuando niño. Además, aparentemente, se provocó una lesión en un percance automovilístico que le impidió jugar fútbol americano… ¿Será cierto?
La cinta explora no sólo al héroe, sino el hecho de que acepte que es como tal. El problema para David es entender POR QUÉ ÉL ES ASÍ. ¿Está bendecido? A través de este ejercicio de reflexión, se da cuenta que tiene una capacidad física impresionante, más allá del promedio; de hecho, virtualmente ilimitada. Por otra parte, desarrolla un poder que no sabía que tenía: puede ver los actos de maldad de las personas con solo rozarlas. Esto le permite aceptar su papel como “héroe”, decidiendo iniciar una vida como vigilante.
Este cómic, será importante en Glass
Mientras Elijah se recupera de las lesiones que se provocó al buscar a un posible maleante, David decide ir a rescatar a una familia secuestrada por un psicópata que mató al padre y tortura a la madre e hijos. Tras una dura batalla, donde casi se ahoga-recordemos que su debilidad es el agua- logra sobreponerse a ésto y derrota al sujeto, consolidándose como HÉROE.
El final de la película resulta realmente sorprendente y un buen giro de tuerca-el sello de Shyamalan- donde David, al acudir con Elijah tras su primera noche de justiciero, le da un apretón de manos y descubre con terror que su mentor realmente ha provocado los accidentes fatales que vimos con tal de encontrar a la persona que pudiera sobrevivir a esos siniestros. Le menciona que debió entender que esto era como un cómic, donde el VILLANO se revela, ya que siempre ha tenido su alias: MISTER GLASS.
Elijah tras sabotear el tren
Esta película destaca por varias razones:
Es una película atípica de superhéroes, situada en el mundo real y donde aparentemente no hay nada sobrenatural.
En la época en que fue mostrada, los superhéroes estaban muy desacreditados en el celuloide, debido a terribles películas como Superman IV, Batman y Robin, Capitán América y Los 4 Fantásticos. Solo hasta que salió X Men en el mismo año empezaron a ser respetados nuevamente.
Ha ganado un culto considerable por su originalidad y lo interesante de los personajes.
El final nos revela a una mente maestra… y lo peligroso que puede ser el fanatismo en alguien.
David tiene un grave cargo de conciencia… ¿cuántas personas tuvieron que morir para que él aceptara su condición de héroe?
Según el director, ya había concebido la trilogía-no le creo, pero eso dice-, por lo que fue armándola hasta quedar satisfecho.
Nos pone a reflexionar en torno a lo que significa ser héroe, así como el papel de éstos en nuestra vida diaria.
Como comentarios finales, quisiera que reflexionaran cuando hablan de los personajes de cómics: ¿Son para niños? ¿No representan algo más? ¿Qué significan en un mundo como el nuestro?
4 de febrero de 1940
sa enfermedad que debe ser tratada cuanto antes, al tiempo que descubre a un inesperado polizón en su camarote. Todo esto llevará a al sr. Ewing a tomar una serie de decisiones que podría llegar a alterar el 
importante contraste de tecnologías, situaciones y costumbres con respecto al de las demás historias. Como te habrás dado cuenta, a partir de este punto las película ya no nos narra hechos pasados o presentes, sino que las próximas dos aventuras toman lugar en el futuro, la primera en un futuro no muy lejano, y la segunda… bueno, dejaremos que lo descubras.
